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[硕士论文] 王茹萍
中国语言文学(文艺学) 浙江师范大学 2018(学位年度)
摘要:朱迪斯·巴特勒的女性主义性别操演论在女性主义批评、性别理论等领域成就卓著。论文重点探讨巴特勒女性主义性别操演论并将之运用到具体的艺术作品批评之中,论文分为三章。
  第一章主要是对巴特勒性别操演论的理论背景进行梳理与探讨。第一节论及性别理论在女性主义理论经历了从传统到后现代的演进。传统女性主义流派主要有自由主义女性主义,社会主义女性主义、激进女性主义、心理分析女性主义等流派。这些流派分别从不同的角度对性别理论作了独到的阐发,但都聚焦于男女两性的性别差异性问题。后现代女性主义与传统女性主义有着本质上的区别,其否定女性主体、重视话语权力。巴特勒的性别操演论便处于这一大背景之中。第二节论述巴特勒操演论的产生。巴特勒的性别操演论是建立在继承与反叛前人思想的基础上,巴特勒否定女性主义理论基石“妇女”这一范畴,质疑生理性别的自然性,借鉴与反思弗洛伊德的“抑郁”理论与拉康的“伪装”理论。在此过程中,巴特勒提出了自己的性别操演论。
  第二章主要论述巴特勒性别操演论的特征。性别操演论有四个特征,它们分别是操演具有戏剧性、操演是一种行为、操演没有主体、操演具有“重复”与“引用”的特性。第一节论述操演的戏剧性。巴特勒将操演与表演作比较,认为二者都是将虚幻的、非自然的东西给表达出来,性别是一种幻觉效果。第二节论述操演是一种行为。巴特勒借鉴奥斯汀的言语行为理论,认为操演同言语一样都是一种行为,性别由各种性别行为所创造。第三节论述操演没有主体。巴特勒质疑“妇女”的主体身份以及拉康的“伪装”理论,认为操演行为同样没有主体,性别主体是作为取得法律合法性的一个虚构的基础,是被法律建构的。第四节讨论操演的“重复”与“引用”性。巴特勒借鉴德里达的“重复”理论,在波伏娃的社会性别建构论基础上进一步论证,认为操演同言语一样具有重复性,会被反复引用,性别身份是处在被社会规范不断反复引用的状态当中,不是稳固不变的。
  第三章讨论巴特勒性别操演论的批评实践。第一节论述性别操演论与巴特勒的《性别在燃烧》。巴特勒的《性别在燃烧》是对影片《巴黎在燃烧》的评论,论文从质询的作用、扮装的两面性、新型家族关系、导演的视角与霸权等四个层面对文章进行阐释。第二节论述性别操演论与当代剧作《蝴蝶君》,论文从分析《蝴蝶君》女性群像及性别转换两个层面对剧作进行阐释。
[硕士论文] 王杨
美术 中国美术学院 2018(学位年度)
摘要:从二战后到现在,艺术在不断的变化中发展。本文从罗伯特·劳申伯格“绘画既关乎艺术,也关乎生活,二者缺一不可(我设法在两者之间行动)”开始展开,艺术变得开放起来,观看方式的变化也使得观众变得越来越重要,从劳申伯格的关注观众经验的多重复杂性,到极简艺术观众可以“进入”到作品之中,从而产生某种类似“剧场”的观看方式,再到“当态度变成形式”展览所展现出的艺术往“观念”的方向发展。作为一名艺术的实践者,该如何品味艺术的魅力呢?由此问题出发,通过对于“有意味的形式”的解读,和了解一件作品背后的东西,并以博伊斯为例,艺术评论家德莫斯特内斯·达韦塔曾经这样评论约瑟夫·博伊斯:“我们不能说博伊斯的作品多种多样,那是因为博伊斯只创造了一件作品,那件作品就是他的一生”。从而探寻自己的方式去看待艺术,这种方式是个人化的,并不单纯的拘泥于形式或是艺术家的思想,需要建立在自己的态度和思想之上“悬置的观看”,并用自己独特的眼光去看待艺术。艺术以一种开放的姿态存在,它是自由的,其中关乎着艺术家思想,精神层面的东西,在艺术的实践中,需要保持着对于生活的敏锐和好奇,从而形成属于自己的“味道”。
[硕士论文] 潘芊羽
美术 中国美术学院 2018(学位年度)
摘要:威廉·肯特里奇作为一名南非白人艺术家,在当代艺术界颇为知名,他的创作媒介和视觉领域跨度非常大。笔者对肯特里奇的作品进行研究,从时间性的视角分析他作品中出现的元素及其组合方式。
  本文从肯特里奇作品中不断被抹去的手绘风景出发,讨论作品实指的时间。并从作品中经常出现的矛盾又同一的双重影像讨论艺术家片断的、分裂的时间叙事和时间尺度。
  在“标准秩序”和“标准时间”下,肯特里奇总是不断地否定一切已有的知识和经验,表达他“边缘的思考”。笔者通过肯特里奇的诗意性叙事及叙事背后对“标准时间”的质疑,讨论其作品中的双重时间。并通过这次研究,对自己的艺术创作形成一定指引。
[硕士论文] 郭雨涵
文艺学 山东大学 2018(学位年度)
摘要:本身从事多重职业如小说家、画家、艺术史家、艺术批评家的伯格是典型的“斜杠”人,人们经常形容他是“艺术批评家/马克思主义者/画家”,身为精通多种艺术形式且有独到见解的艺术创作者,对于艺术本身的浓厚兴趣指引着他不断进行创新范式的探索和新颖批评角度的创建与构筑,尤其是对于观看理论各种艺术形式的解释与阐发。约翰·伯格的兴趣丰富,研究领域广泛,著作颇丰,对观看的理论认识有非常深厚的“看”的经验积累。在文化批评和艺术批评领域中,伯格采用批判性的思维,挑战权威的艺术史观。伯格提出具有创造意义的关于图像的观看理论,将传统视觉文化批评中曾经备受冷落的观者的地位,提升到了新的更高层次,并且由此视角撰写了《看》、《观看之道》等杰出著作。本文围绕伯格的鲜明观点,分析艺术家的创作只是图像表现性的一方面,艺术家们反抗那些不真实的、虚假制度化的表现,艺术家以勇气和开创之举推翻已成“俗套”的一切惯例,打破体制和被默认无误的传统,尝试新的阐释世界、观看方式与接收效果的方法和视角。影像的制作带有制作者的个人观点和看待世界的方式方法,这一定程度上决定了我们观看的效果和关注的焦点,但是最终落脚到具体的观看过程,观看方法和随之而来的观看接受还是因人而异的,充满个性化和时代特色。本文围绕伯格的观看理论与现实意义展开论述,试图构建伯格观看理论的理论体系,联系观看的实际,落实伯格关于观看接受的实践。本文分为五个部分:第一部分绪论,主要是讲述伯格生平与理论贡献,进行文献综述;第二部分关于观看理论的渊源,主要是关于观看中主体意识的觉醒,人与动物的“双向凝视”与动物的边缘化;第三部分是约翰·伯格观看方式的创新范式和对图像认知观的剖析与审视,针对不同艺术形式进行观看关系的重构,包括观看绘画、观看广告、观看摄影,揭示图像与观看的关系,新的影像语言中“看与被看”关系的不同表现;第四部分是剖析观看过程的意识产出与思想解放,关注伯格对照片与绘画的创作过程和欣赏接受的深入分析在补充艺术史上的空缺中所做的贡献,在与贡布里希、本雅明的观看理论进行分析比较后,认为伯格的观看理论更清晰地展现了摄影、绘画与世界之间的关系;第五部分是总结全文。
[硕士论文] 黄振华
美术 中国美术学院 2018(学位年度)
摘要:随着城市轨道交通的迅猛发展,而地铁的发展也标志着一个城市的发展进程,随之孕育而生的地铁空间中的公共艺术也发展的生机盎然。地铁公共艺术的多元化、多样性也让城市公共艺术更加别具浓厚地域人文特色,所展现的内容更加贴近百姓生活。
  本文选择杭州地铁公共艺术作为研究方向,通过玻璃艺术墙作为介入媒介,以龙翔桥地铁站、凤起路地铁站、钱江路地铁站为参考案例,从地铁站点区域文化、人文情怀、艺术表达等方面进行分析,目地在于充分发掘玻璃艺术墙的材质特性、设计共性,实现玻璃艺术墙与地铁公共艺术设计理念完美结合。
  通过对玻璃与其他不同材质结合产生的设计效果进行分析归纳,总结出玻璃艺术墙的艺术表达形式也具有多元化、多样性,满足公共艺术中的色彩、形态和视觉等要素所呈现不同层次的要求。最后结合设计实践,对玻璃艺术墙在地铁公共空间中应用的设计方法和思路进行验证。
[硕士论文] 崔劼
文艺学 山东大学 2018(学位年度)
摘要:苏珊·桑塔格是20世纪美国的著名作家、艺术评论家、导演和女权主义者,她一生积极关注、参与各类社会事件,关注边缘性的和反抗性的人物与事件,重视多重视角的发声,创作了大量针砭时弊的作品,被誉为“美国公众的良心”。
  60年代,科技的发展极大地改变了人们的生活。流水线技术的更新加快了文化产品的生产速度,使得艺术逐渐失去了往日的神圣性。在商品交换原则和大众文化的作用下,对艺术的接受转变为对艺术的消费;同时,阐释理论也逐渐不能适应和接受新出现的艺术形式。桑塔格对这种艺术失效、审美低能的状况感到不安,因此撰写了《关于“坎普”的札记》一文。在文中,桑塔格尝试描述了“坎普”风格的内涵,将其作为一种新感受力的形式推向大众。坎普形成于亚文化和边缘群体的文艺活动中,与波普和刻奇有深刻的关联。在桑塔格看来,坎普风格以过剩和怪异的形式为主要元素,对坎普风格的认识和接受能够不断地刺激观者的感受力和认知能力,也有助于挑战以道德内容为导向的艺术评价体系,瓦解精英文化的主流范式。从《关于“坎普”的札记》开始,坎普研究的热潮一度引起众多学者的关注和讨论。
  桑塔格推崇格言札记式的写作风格,偏爱作品评论胜过理论阐述,因此她的著作虽多,但其思想和观点散见于各篇文章,不成系统。因此,本文将以《关于“坎普”的札记》为主要线索,同时参考桑塔格及其他坎普研究者的相关著作,挖掘坎普趣味的理论背景,系统整理桑塔格在坎普问题上的主要观点和理论特征,以期更深刻地理解她在新感受力美学上的主张,进而把握桑塔格作为知识分子的人格形象。
  文章由前言和三章构成。绪论对桑塔格坎普观的国内外研究现状和存在的问题做了简要介绍。第一章讨论了桑塔格坎普观的生成语境,从坎普这一概念的起源和演变、桑塔格提出坎普问题的社会文化背景两方面进行了论说。第二章整体概括了桑塔格在坎普问题上的主要观点,从桑塔格美学理论入手,结合具体的坎普作品,分析桑塔格坎普观的两个层次,进而讨论坎普风格的美学特征。第三章在前两章的基础上,讨论桑塔格坎普观的局限性和理论影响,首先论证桑塔格叙述中的坎普趣味囿于其精英意识而具有妥协性的事实,探究坎普趣味的形式主义背景,然后评价了桑塔格坎普观在坎普研究中的里程碑式地位和影响,整理概括了几位坎普研究者在桑塔格坎普研究上的进一步成果。桑塔格的坎普研究作为其美学理论的一个重要组成部分,充分体现了桑塔格的新感受力思想;桑塔格在坎普研究中驳斥精英趣味的主流话语范式,反对内容说和道德原则对审美趣味的控制,重视对失败作品、低俗风格的接受和审美,这充分体现了桑塔格作为知识分子和理论学者对大众文化、艺术理论的新状况的关心。
[博士论文] 李想
设计学 中国美术学院 2018(学位年度)
摘要:“像素图形”原本是依赖于屏性媒介创作并表现出来的图形相态。在放大后呈现出的“锯齿状边缘”原本是在个人电脑发展初期的一种技术缺陷,然而随着时代的发展,这种缺陷却成为一种独特的视觉语言,为设计师和艺术家们所利用,逐渐演变成为一种以最小的像素点为基本元素,以垂直与水平的基本构成规律在有限的范围内进行布局、组合、构造的独立的视觉表现风格——像素艺术风格,广泛应用于设计与艺术领域。因此,笔者希望通过对于像素艺术风格的起源、形成、发展、危机以及以新形式回归过程的研究和梳理,为当代的艺术家和设计师们寻求属于数字化时代新的表现手法和视觉语言提供有效的借鉴。
  本文针对像素艺术风格进行系统性理论研究,从三个部分重点展开:
  1、像素艺术风格的起源、形成、发展的历史轨迹。首先,是对于“Pixel”一词词源的研究;其次,梳理出“像素图形”逐步发展为“像素艺术风格”的这一历史过程。最后,深究像素艺术风格产生的时代背景,以及在其产生过程中所受到的客观因素和主观因素的影响,最终促使了这一独特艺术风格的形成。
  2、像素艺术风格的特征与内涵。在这一部分,深入研究像素艺术风格的形式语言,剖析像素艺术风格形式语言的内在本质特征,像素艺术风格的“词汇”、“短语”、“语法”、“修辞”,以及像素艺术风格秩序性、复制性、纯粹性、交互性、大众性、趣味性的外在表现特征。
  3、像素艺术风格在各艺术计领域的应用拓展。通过前面对于像素艺术风格的规律性总结,梳理出像素艺术风格在各领域应用的方法论,并通过大量设计实践案例论证像素艺术风格在设计以及当代艺术领域的应用与演绎,使之对该领域的实践具有实质性的指导作用。
  通过以上三个部分对于像素艺术风格的系统性研究,我们可以得出以下结论:像素艺术风格是一种源于屏性时代怀旧的情感表达;像素艺术风格是一种观察世界的特殊视角;像素艺术风格是一种带有开放性的创作文化;像素艺术风格是一种具有不确定性进化轨迹的艺术风格。
[硕士论文] 龙宇航
美术学 华中师范大学 2018(学位年度)
摘要:克莱夫·贝尔(Arthur Clive Heward Bell,1881-1964),20世纪上半页英国著名艺术批评家、学者,现代艺术最为重要的辩护人之一。他的第一本艺术著作《艺术》自1914年问世以来就成为学界讨论的焦点,书中提出的“有意味的形式”更是引起了文艺界的广泛讨论。目前国内关于克莱夫·贝尔的研究多集中在《艺术》,对他的其它作品关注甚少,“有意味的形式”在传播过程中也逐渐背离本意,贝尔被简化为一个脸谱化的唯形式论者。克莱夫·贝尔的艺术批评扎根于他所生活的时代,与现代艺术的发展以及他对社会现状、人类价值的思考紧密相连,远非通常所说的“极端的形式主义”、“有意味的形式”所能概括。
  本文目的有三,其一,系统梳理贝尔的批评理论和实践,建立贝尔的艺术思想和批评工作的总体印象,其二,界定贝尔对艺术与生活、自然、形式与内容的真实态度,还原其艺术理论真相,其三,挖掘贝尔批评工作中的人文内涵,从中探讨他的学术价值。
  研究从四个章节展开。第一章对贝尔的生活环境、思想来源、批评背景作大致勾勒,是深入认识贝尔的批评工作之前提;第二章从贝尔对艺术、艺术品以及艺术批评的态度三方面分析他的批评立场,建立其宏观思想架构;第三章梳理贝尔对传统艺术、印象派、后印象派以及现代艺术的论述,是贝尔的批评理论的具体实践,具有深化理解其学术风貌及现实价值的意义,第四章是对贝尔整个批评工作的理论、方法及精神特质的归纳,旨在对他的批评工作有更为合理的认识。贝尔的工作并非完美,学术界对此已多有讨论,本文主要集中探讨他的积极意义。
[硕士论文] 胡羽佳
设计学 华中师范大学 2018(学位年度)
摘要:技术革新的时代背景下,科技的迅速发展不仅改变了人们的生活,也对艺术的发展产生了潜移默化的影响。灯光艺术的产生发展建立在照明技术的成熟上,又结合了创新的科技和艺术的魅力,在展览、表演、晚会等商业活动领域灯光艺术得到了广泛充分的应用和发展。
  人是自然的一部分,人的艺术设计行为同样也是自然的一部分。灯光作为媒介在艺术创作中占据着越来越重要的地位,灯光艺术是科技与艺术的结合,但人们在实践过程中时常过于追求技术和视觉冲击,忽略了情感的传达和自然之美。现有的灯光艺术作品常局限于人工环境中,与自然相关的作品大多也仅仅将之视为灯光视觉效果的“屏幕”,并未对其本身进行艺术设计。回归自然的灯光艺术意味着尊重自然、融入自然,不仅将自然作为灯光艺术创作的载体和对象,也是对自然本身进行艺术设计行为,更是艺术家自身走进自然、感受自然、融入自然最终诠释自然的过程。与此同时,由于对自然的资源过度开发和环境污染破坏,人类面临着越来越严重的自然生态环境问题和自然旅游景观问题,将艺术设计的对象从人工回归到自然也对旅游发展和环境保护等有着重要的意义。因此,本文以发掘灯光艺术未来发展新方向、拓展其应用领域并解决实际问题为最终目标,是具有一定创新意识和现实意义的前瞻性研究。
  本文结构分为五个章节,第一章分为四个小节,分别介绍本文的研究背景、研究的目的和意义、国内外研究现状、本文的研究内容和创新点等;第二章分为三个小节,从多角度对回归自然的灯光艺术进行阐述和解释,通过解释何为回归自然引出灯光艺术和自然的联系,以及灯光艺术回归自然有何现实意义;第三章分为四个小节,笔者对三种回归自然的灯光艺术类型及其作品案例进行多方面的具体分析,并进行总结;第四章分为六个小节,通过笔者的毕业作品较详细地介绍了灯光艺术回归自然的实践过程,体现了科技、艺术、自然的三者融合,为今后的灯光艺术设计实践提供了一定的参考意义;第五章对全文进行总结并展望未来发展。
[硕士论文] 张翘楚
美学 黑龙江大学 2018(学位年度)
摘要:本文通过对于“凝视”理论生成的梳理以及对西方艺术作品中女性形象变迁的整合,来阐释艺术作品中的女性形象,乃至女性艺术家们自身是如何尝试反抗凝视、建立自身话语权的。全文按逻辑分为三个部分:文章第一部分首先确立了“凝视”在文化研究层面上的意义,同时将具体艺术作品中的女性形象与萨特、拉康、福柯的凝视理论相结合,提出女性在“凝视”中处于被压制的客体地位;第二部分归纳了艺术史上女性形象的演变过程。通过对各个时期和阶段的艺术作品中所展现的典型女性形象进行考察,分析当女性作为被凝视的对象时,其形象是如何伴随着历史变迁以及女性的社会地位的变化发生流变的。第三部分则着重阐释了女性主义的兴起及其对于艺术理论的影响。琳达·诺克林、格里塞尔达·波洛克等人对于艺术史的反思不仅为艺术史研究方向提供了一种新的可能,她们的理论又反作用于女性艺术家们的艺术创作。故此,女性艺术家们开始运用将身体符号化、传递女性感性特征等方式来反抗女性形象在艺术中的“他者”形象,重塑现代女性在艺术史中的价值。
[博士论文] 张佳婧
计算机科学与技术 浙江大学 2017(学位年度)
摘要:随着计算机和数字媒体技术的飞速发展,越来越多的视觉艺术作品以数字化方式进行创作、保存和传播,成为人们这个时代不可缺少的精神财富。然而,传统视觉艺术作品的审美评估只能依靠艺术家或者鉴赏专家来进行定性描述,其结果因他们的个人知识经验不同而具有较大的主观不确定性。并且,全靠人工来评估日益激增的艺术作品也不现实。因此计算美学应运而生,即利用计算机模型辅助量化评估视觉艺术作品,这些模型在高级图像检索、图像美感评估修正、艺术作品风格鉴定等领域有广泛应用前景。此外,一些艺术图形,无论是造型简单的图标,还是结构复杂的民族艺术图案,它们的构成必须遵循审美准则。如能用计算机分析它们的美学特征并且高效地生成艺术图案,则可以量化揭示艺术图案的美学规律,对现代图案设计以及民族艺术图案的数字化保护有重要意义。
  然而,上述工作属于计算机科学、认知科学、心理学、美学、艺术等学科的交叉性研究,具有较大的挑战性。本文首先选取图形图像领域两种类型的数字艺术作品,图标和水墨画,研究其相应的审美变量构造以及审美量化评估方法。然后,选取佛教艺术中的唐卡曼陀罗图案,研究其内坛城元素的参数化模型和计算机生成方法。本文的主要研究内容和贡献如下:
  1.提出了图标计算审美评估模型。首先构造一些特征变量来量化计算图标设计准则中的平衡、对比、和谐,将这三个常用设计准则转换为数学表达。另外对图标数据集依次在平衡、对比、和谐以及美感感知上进行人工打分。然后将人工评估分数对计算的特征变量分别回归得到三种设计准则对应的统计线性回归模型。最后将人工评估的美感分数对模型评估的平衡、对比以及和谐分数进行回归从而得到美感模型。实验结果表明我们的回归模型可以预测人类对平衡、对比、和谐、美感感知的判断并具有0.851到0.964的显著相关。
  2.提出了一种水墨画计算审美评估框架。首先提取水墨画中颜色、纹理和构图相关的一些特征变量,得到它们的数学表达。另外对水墨画数据集依次在颜色、纹理、构图和美感感知上进行人工打分。然后将人工评估分数对计算的特征变量分别回归得到三种审美属性对应的支持向量回归模型。最后将人工评估的美感分数对模型评估的颜色、纹理以及构图分数进行回归从而得到美感模型。实验结果表明我们的颜色、纹理、构图和美感感知模型预测结果与人工评估结果在相同的维度上可以达到0.822到0.904的显著相关。
  3.提出了一种计算机辅助生成唐卡曼陀罗图案的方法。首先选取藏传佛教内坛城图案中星形、半月形和莲花形三种类型元素并根据其几何特征构造参数化模型。然后根据手绘唐卡曼陀罗中使用的美学比例特征和层次结构将这些元素逐层排列生成多样的内坛城图案。实验结果表明我们的方法可以高效地生成多样彩色唐卡曼陀罗图案。
  在理论层面上,我们的工作将计算美学研究扩展到图标以及水墨画两类新的对象上。在应用层面上,本文提出的曼陀罗图案绘制系统可以高效地再现已有唐卡曼陀罗图案,也可以设计生成新的同心圆结构图案。其潜在应用领域包括图形设计、广告设计、装潢设计、商业展台设计、数字娱乐等。
[硕士论文] 朱勇鸿
设计艺术学 苏州大学 2017(学位年度)
摘要:淮河流域是中国古代文明的发祥地之一,孕育了丰富多彩的淮河文化,至今保存了数量可观的物质和非物质文化遗产。作为淮河流域中游地方文化的代表,本文对蚌埠双墩造物艺术的特征和文化内涵进行一次较为系统的梳理和分析。论文共四章节,内容包括绪论、产与食、天与人、建筑与科技等。
  第一章分为“猪”“鹿”“蚌”“鱼”“蚕”五节,对蚌埠双墩的产与食分别阐述,从生殖崇拜角度,结合萨满宗教,以双墩刻画符号为突破口,研究蚌埠双墩造物艺术。
  第二章分为“○”“□”“数码”三节,对蚌埠双墩的天与人分别阐述,从天文考古角度,结合神话考古,以双墩刻画符号为抓手,研究蚌埠双墩造物艺术。
  第三章分为“房”“医”两节,对蚌埠双墩的建筑与科技分别阐述,以双墩刻画符号为支撑,从科学技术角度研究蚌埠双墩造物艺术。
  总之,蚌埠双墩的造物艺术文化内涵丰厚,造物观淳朴,不仅体现出了蚌埠双墩新石器时代社会的发展特征,而且还是地理环境、原始宗教崇拜、民族审美和民族风俗等的综合产物。蚌埠双墩造物艺术的研究和探讨,对蚌埠双墩文化的保护和发展具有着积极的历史意义和现实意义。
[硕士论文] 童彤
艺术学理论;当代艺术理论 东南大学 2017(学位年度)
摘要:当代艺术是对当下正在发生事物的反映与呈现,在当前中国城市化发展背景下,越来越多的废墟出现在我们生活中,成为当代艺术的历史载体之一。艺术家为废墟创造废墟主题艺术作品,这些作品具有保留记忆的功能并和当代生活相连接。废墟主题艺术是对社会发展的记录,与传统艺术完全不同,由此提倡中国当代艺术家的废墟主题创作应体现其个人经历、情感和所处的社会环境,并与当代本体紧密相关,需要从本体文化出发,同时以全球化的角度去理解创造废墟主题艺术作品,提升中国当代艺术水准。目前对于当代艺术中废墟主题的研究范围不够全面,也没有明确提出废墟主题是非线性的观点,它肯定过去与传统,具有文化积淀。因此通过物质层面的废墟转向对精神层面的废墟分析,结合废墟主题艺术与本体文化之间的关系,用较为完整且具有代表性的中国当代艺术废墟主题作品为例,从废墟主题艺术与群体的情感、集体的身份认同、宏大叙事等方面具体分析,探讨废墟艺术作品的内涵与对当代社会的记录作用。同时,分析比较中国当代艺术和西方当代艺术中废墟主题的异同,得出中国废墟主题艺术具有符号性与双重性的特征,使其成为中国当代艺术的典型代表。
[硕士论文] 阿斯姆-Azim Hassan
美术学 中国美术学院 2017(学位年度)
摘要:论文通过1989年至2016年在克什米尔山谷的冲突中,对不同的艺术形式所造成的影响的研究。论文将通过关注几位有代表性的艺术家的生活和工作来理解克什米尔艺术家创作的题材和在克什米尔最恶劣冲突条件下产生的艺术作品。这些艺术家们试图通过自己的艺术实践来作出对社会的影响和贡献。本文还试图呈现一个粗略的克什米尔的社会政治和文化生活的描述。关于克什米尔艺术的信息是非常有局限的,只被刊登在小的杂志、文章和报纸上。因此,这项研究将有助于探索克什米尔的当代艺术实践,并且展现那些既在中国没有又在克什米尔也不足够的有关克什米尔艺术和生活的丰富信息。
[硕士论文] 王导焜
艺术 西南交通大学 2017(学位年度)
摘要:随着中国城市化进程的推进,公共艺术也随之发展,为城市的文化艺术品质改善作出了重要贡献。不过,就公共艺术的公共性而言,从开始的策划到施工完成,公众始终难以真正参与当中并为之发表态度,经常性出现一个熟悉的生活环境中毫无征兆的突然冒出了一件公共艺术作品,好的作品自然逐渐受到公众的喜欢,可是很多作品却让公众感受到的是与自己的无关。在中国现阶段,广大人民群众对于在公共空间里如何安放艺术品,从来就未曾拥有过真正的发言权。1就公共艺术而言,其应该是从属于社会价值存在的,应该服务于公众,延续培养所处地域的文明。公共艺术的规划、创作,不仅要具有艺术性,同时要兼顾公众的要求和意愿,而不仅仅是反映艺术家的个性。城市公共艺术品的设立之所以是公共的,是因为它服务的对象是广大公众,若忽视公共参与这一重要环节,容易导致主观创造与客观效应的严重错位。2
  一些谈及公众参与的文献主要将其渠道限制在填写调查问卷和提建议等惯用手段。尽管这些手段从形式上肯定了公众的价值,但是关键点在于这些建议无法实质性地影响最终决策,就直接导致了公众与规划和创作人员之间沟通的形式主义。例如,在台州案例中,尽管引入了公共参与,主管部门还是会主观地认为公共参与有一些“现实”的限制条件—市民评议和投票既有普遍性,也有局限性,只能作为专家评审的重要参考。针对此问题也有学者分析,长官专权和设计专制等行为必然会造成对“公共性”的损害,从而削弱公共艺术规划中的公共性。
  进入美术馆、私人空间等的艺术作品起着展示一个社会审美精英阶层审美精神水平的作用,而公共艺术则应该为公众创建一个艺术传播环境,对于目前国内比较贫瘠的艺术环境来说,其对于公众艺术精神世界的推动起着重要作用,而改进很多作品难以在公众中产生心理文化认同则是重要的第一步。
  本文尝试通过将公共艺术与移动互联网相结合,对公共艺术项目流程进行试验性的设计,在改变公众参与方式的基础上实现从创作到作品落地的新的流程尝试,为公共艺术与移动互联网的跨行业结合发展方向提供一些试验性的可能。
[硕士论文] 张茂杰
美学 四川师范大学 2017(学位年度)
摘要:十八世纪中后期,现代意义上的艺术批评伴随着现代艺术体系的确立而诞生。到了二十世纪,有艺术批评家在这个“批评的世纪”里断言:“一切艺术史都是批评史”,对作品的描述、解释与评价是艺术批评所承担的责任与任务。美国学者迈耶·夏皮罗就是这一领域在这个世纪最卓越的代表之一,其艺术批评体现了他对各种批评方法的综合使用,呈现出他对现代艺术的包容态度,形成了一种对理论流派的抗拒而具有的开放性批评方式,这也是他对现代艺术产生独到见解的重要原因。本文力图立足于夏皮罗现代艺术批评广阔而深厚的面貌,追随其对现代艺术家与其作品为切口所展开的深度思考,梳理和阐释其现代艺术批评对艺术本身所进行的具体而细致的批评观点。全文从四个部分展开研究:
  第一部分绪论,主要梳理国内外夏皮罗艺术批评研究的现状。概括国内外夏皮罗艺术批评研究的成果,尤其是国内美学界、艺术理论界关于夏皮罗的研究。同时,阐明本文的研究目的、研究思路和研究方法。
  第二部分主要讨论关于现代艺术与其批评的诞生,以及在这种艺术批评语境中产生的夏皮罗的现代艺术批评,包括其批评对象与批评方法。
  第三部分是本文论述的核心内容。该部分分成两章,主要阐述夏皮罗现代艺术批评的两个重要支撑,即艺术品与艺术家。夏皮罗从具体的现代艺术作品出发,深入讨论作品的“场域”,具体的形式特征以及现代艺术形式带来的新的视觉表达与观看方式。更重要的是,他在这种形式背后所关注的艺术家所处的社会环境、艺术家的主体意识与其赋予作品的人性内涵。
  最后是本文的结语部分,主要阐述夏皮罗的现代艺术批评并不是某种具体确立的批评方式,而是他通过现代艺术中具体的存在去探究关于现代的艺术观念与审美观念,以及作为艺术史家、艺术批评家的夏皮罗在现代艺术批评环境中展现出的人文学者的坚守。
[硕士论文] 郭永泽
美术学水彩 青岛大学 2017(学位年度)
摘要:本文论证了波普艺术中的泛艺术化发生在第二次世界大战后西方世界艺术中心转移、美国城市化进程加快以及美国后现代文化的背景之下,作为波普艺术的典型代表性人物,安迪·沃霍尔的作品中现成品的泛艺术化特征是一种非常鲜明的艺术特征。安迪·沃霍尔拥有敏锐的艺术嗅觉与精准的对生活中物像把握的能力,运用重复性的艺术手法进行创作并主张模糊艺术与生活之间界限的创作手法与批量的、机械式的创作理念。所以,安迪·沃霍尔对于波普艺术下的泛艺术特征可以概括如下:形式方面是对作品主要形象的重复,内容方面是对大众文化形象的重复以及其使艺术与生活界限模糊的艺术创作理念。
[硕士论文] 贾圣童
美术学 山东大学 2017(学位年度)
摘要:中国社会环境在二十世纪经历了不稳定阶段,社会环境的动荡使中国文物流散严重,也促进了当时收藏行业的发展,文物收藏圈异常活跃。上海是当时发展最为迅速靠前的大城市,最早开通商埠,商业和经济发达,国内大量鉴藏家由此聚集到此,其中包括鉴定界的知名人物张葱玉、庞莱臣、吴湖帆、张大干等。吴湖帆无论是在书画创作方面还是书画鉴定方面,都是当时圈内的佼佼者,书画创作精彩,鉴定眼光出众,一时影响了整个上海书画圈,成为鉴藏界的核心。
  出身于簪缨世家的吴湖帆,从一降生便注定了将拥有宏富的家藏继承,由祖辈继承的藏品,妻子带来的文物嫁妆,以及吴湖帆自己购买交换得来的收藏,使得他的藏品与日俱增。书香门第、家学渊源和收藏品的正统脉络,使吴湖帆自幼就处在一个传统的文化环境中,这样的家风也影响了他在书画创作和鉴藏上的审美方向,使其毕生溯古求源,在东西方文化碰撞,革新思潮风起云涌的压力中,吴湖帆主张挖掘本民族文化资源来振兴中国画,延续传统,这在当时是尤为可贵的。沿着传统这一脉络,吴湖帆在书画创作与鉴藏方面都取得了非凡的成就。
  《丑簃日记》是吴湖帆关于生活、书画活动等内容的部分日记,从中可以窥探吴湖帆日常的艺术活动。吴湖帆在书画上的天赋和成就,以及良好家学所形成的知识系统,都不经意间却又必然地深刻影响了他对古书画收藏鉴赏的活动,而他出众的鉴藏水平和丰富的鉴藏理论,也在资料和经验方面为他的书画创作提供了基础,他的创作是对所鉴藏作品的学习和吸收借鉴,而传统的绘画学习也大致是这样的路径。本文希望对《丑簃日记》中记录的吴湖帆的书画创作活动、书画鉴藏活动以及与师友的交游活动等进行整理,从他的日常生活入手,通过日记这一琐碎的材料,以具体细致的方式呈现吴湖帆的鉴藏特征、吴湖帆的书画创作与其书画鉴藏的关系、吴湖帆所处时代的画坛和鉴藏活动的特征,以及吴湖帆在中国书画收藏鉴定方面对中国艺术圈产生的重要贡献和意义。
[硕士论文] 牟逸萌
美术学 西南大学 2017(学位年度)
摘要:针对当代艺术批评文化身份的主体性现状,本文旨在从两个方面对其进行系统的研究,一是“当代艺术批评文化身份的主体性特征”,二是“当代艺术批评文化身份主体性缺失的成因分析”。
  对“当代艺术批评文化身份主体性特征”的研究,笔者主要采用了乔治·拉伦所架构的文化身份观,以及从笛卡尔开始一直到现当代阐释学所架构的主体观。在本文中,笔者向以上两者借鉴的不是它们的研究成果,而是它们的推演方式与研究方法。基于以上两点,笔者从批评文本入手,将当代艺术批评划分为特定的四种范式,分别为“现实主义批评”范式;“玩世现实主义批评”范式;“女性主义批评”范式;“后殖民主义批评”范式。通过对四种不同批评范式的归类与分析,笔者得出相应的学术结论是:当代艺术批评文化身份的主体性“缺失”这一特征,“缺失”的主体性特征是当代艺术批评最为突出的特征,它深刻影响着当代艺术及其批评的发展。
  文化身份是一个归属于社会意识形态之下的立场问题,其主体性现状与社会意识形态对批评家主体意识的影响密不可分。而一个国家或者一个民族意识形态的养成往往不是单方面自生的过程,基于这样的考虑,针对文化身份主体性“缺失”的成因研究,笔者主要从三个维度对其进行了讨论与阐释,分别是形成这种“缺失”现状的“政治语境”、“经济语境”和“文化语境”。通过分析,笔者得出以下学术结论:(1)导致当代艺术批评文化身份主体性“缺失”的核心因素是人们对本土文化认同感和责任感的淡漠。随着全球化进程的发展,西方文化与思想介入到中国文化领域,扩展了文化学者视野的同时也将西方文化的浪潮与思维方式带到中国,由此推论开去,给中国的文化学者效仿经济繁荣从而实现文化繁荣的想法提供了可能。但是,我们却容易因此迷失自身的文化身份。文化只有保持自己的根系,才会在全球化的浪潮中免于被消解的命运,从而展现出本土文化根深叶茂的景象。(2)政治发展的内在需要与经济政策的引导是当代艺术及艺术批评文化身份的主体性几经变幻的重要原因。改革开放以来,我国在经济上、科技上西方学习,取得了长足的进步,由此认为在文化上不假思索地假借西方一样可以取得辉煌的成果;这种逻辑导致艺术批评文化身份主体性的“缺失”成为必然。(3)艺术批评文化身份的主体性是在社会变革的过程中形成和发展起来的,我们无法将影响它的政治、经济、文化因素孤立起来,它们之间彼此关联,互为因果。(4)针对文化身份“缺失”现状的成因分析所进行的探讨及其所得出的相应学术结论,有望为当代艺术批评提供相应的理性思考与价值启示。
[硕士论文] 孙书叶
美术学 中国美术学院 2017(学位年度)
摘要:流是一个自然界和人类社会从古至今固有的物理现象。进入信息时代,数码技术使得流的信息被数据化,数据流的概念诞生。近年来,广泛分布的地理传感器所形成的传感器网络可以收集到数量可观的观测数据结果,并能连续地无滞后地将数据传递到服务器上,实时数据流变得唾手可得。
  大数据可视化使得科技与艺术的交织越来越丰富和深入,涌现出许多具有美学价值的作品,这其中的第一作者从科学家向包括艺术家在内的各界人士扩展,实时数据流可视化向实时数据流艺术进阶。
  本文将总结实时数据流艺术的性质和历史,探讨实时数据流艺术的技术支持、艺术手段、社会意义和美学赏析。而本文的重点,是从东方哲学的美学思想出发对这一艺术想象进行的美学赏析。我将西方新艺术现象对东方哲学和美学的呼应作为触发点,对新的艺术现象带来的新的艺术逻辑和思想观念进行推理、归纳、演绎,虽然是西学东渐,但同样可以读出异曲同工之美。
  综上,本文对实时数据流艺术的现象进行认识和总结之后,在本文最后得出两层结论,一是新艺术是世界整体科学文化发展的结果,实时数据流艺术在未来还将有很大的发展空间;二是,不论艺术的诞生地在哪里,全世界的艺术都是殊途同归的,而这个“归”即是东方哲学的“真善美”,亦是西方的“真理美”,是人类至真至善的高境界。
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