绑定机构
扫描成功 请在APP上操作
打开万方数据APP,点击右上角"扫一扫",扫描二维码即可将您登录的个人账号与机构账号绑定,绑定后您可在APP上享有机构权限,如需更换机构账号,可到个人中心解绑。
欢迎的朋友
万方知识发现服务平台
获取范围
  • 1 / 23
  (已选择0条) 清除 结果分析
找到 459 条结果
[硕士论文] 邵晴
艺术传播 黑龙江大学 2018(学位年度)
摘要:在网络环境下,视觉艺术的传播方式正在高歌猛进地发生变化,网络平台为从主体到效果这一传播过程注入了新的生机。为了更好地被大众接受,更多的艺术从业者、爱好者将互联网作为视觉艺术传播的工具已是大势所趋。本文结合传播学相关理论分为四部分:首先,对本文研究的视觉艺术和网络传播的概念属性进行了界定;随后,阐明了传播主体的几种类型,以及网络环境下受众诸多改变;接着,对视觉艺术网络传播的渠道总结概括,并归纳出具体的传播模式;最后,分析了视觉艺术网络传播产生的效应,剖释了线上视觉艺术市场的拓展和社会美育工作用。第三章关于传播渠道以及传播模式的总结,是本文的主要创新点,本章对微博、微信、艺术App等各种渠道重点研究,结合现有案例具体分析了诉诸文字、依托活动、设置话题议程等方式。
[博士论文] 杨光影
艺术学理论 东南大学 2017(学位年度)
摘要:宋代是语图合体、诗画合流的时代,诗歌和绘画配合构成同一文本,形成诗画互文。在以往研究中,诗画合流的讨论多聚焦于文人画。但事实上,在两宋时期,宫廷绘画是是推动诗画合流的重要力量。受北宋文人提出的“诗画互有”“诗画一律”等观念的影响,北宋宣和画院以诗句作为画学考试的题目,宋徽宗更多次题诗于画上。诗画由此呈现于同一界面,两者形成深意交互。南宋宫廷延续诗画合流的趋势,表现为帝后题画诗与宫廷绘画的融合,以及诗意图的大量产生。这一时期的题画诗、诗意图的存世数量远超北宋宫廷,题诗涉及的画作更为广泛。同时,南宋宫廷绘画是当时画坛的主流,在艺术成就方面堪称古代艺术的高峰之一。据此,南宋宫廷艺术中的诗画互文可视为宫廷诗画合流的代表之一。文章以图文关系理论为基础,考察南宋宫廷艺术中的诗画关系,并得出以下结论:
  总体来看,相对于诗兴遣怀的文人画,南宋宫廷艺术产生于宫廷政治文化语境中,宫廷画家需要遵从或者迎合命意,皇帝、皇后则将命意包含于题诗中。由此,宫廷命意成为诗画联结的交集,其中的诗画关系可视为以宫廷命意为契合点的诗画互文。从命意内容来看,宫廷命意围绕政治用意与娱赏趣味的张力展开,主要包含三方面内容。第一,宫廷对于政治寓意的传达。政治寓意围绕宫廷政治活动展开,涉及皇权本位、皇权与官僚、皇帝与后宫等权力关系。第二,宫廷对于文人诗意的雅赏。这种雅赏并非单纯的追慕,而是南宋帝后对文人诗意的选择性接受与再阐释。第三,宫廷对于民间风俗的观看。这种观看既包含体察民情的意图,又包含观看民间之趣的目的。在不同命意之下,诗画联结的内在机制呈现出一定的差异,形成相应的语图互文范式。
  首先,在传达政治寓意的命意中,诗画关系主要表现为“诗画互释,表达政意”。题诗占据阐释图意的主导地位,图像则以直观呈现、隐喻等方式呼应题诗的命意。这种互释并非漂浮于符号的表面意义,而是深入到政治隐意当中,传达恩宠权臣、优抚闲官以及邀宠君王等意图。
  其次,在雅赏文人诗意的命意中,诗画关系主要表现为“取象于诗,画改诗意”。图像并非对于原有诗意的复现,而是以图像与语象的互现为基础,对于诗意进行改造与转译。从演绎的具体状况来看,由于绘画是空间艺术,诗意空间与人物更容易加以呈现,演绎的力度也更大,故而与时间、情节分章讨论。诗意空间与人物方面,画家或改换诗歌的场景,将诗意空间改造为帝后熟悉的宫苑场所;或塑造符合宫廷趣味的诗意人物,如内敛居静的宋儒、悟道的僧人等。与之相比,诗意时间、情节的呈现需要凝滞动态的时间,对此,画家将“坐看云起时”“山静日长”等诗意时间呈现于图像当中,形成相关的图像谱系。至于诗意情节的图像呈现,集中体现在禅宗公案为题材的图像。两宋是“三教合一”的时代,公案中的诗偈是与文人诗意密切相关的话语资源。画家力图呈现诗偈生成的顷刻,表现禅趣。尚需补充的是,这四种不同的图像演绎类型实为一个整体,往往叠合于同一图像之中。但为了理清语图关系的内在机制,文章选择了类型特征鲜明的图像作为案例,加以论述。
  最后,在观看民间风俗图景的命意下,诗画关系主要表现为“画呈民情,诗观得失”。其中,有的宫廷风俗图像呈现民间疾苦,具有一定的规谏之意;有的图像呈现村田之趣,包含粉饰太平与颂德之意;有的图像表现民间节庆风俗在宫苑的渗透,表达节庆娱欢之意。对此,南宋帝后以题诗方式进行回应,形成了诗画互动。
  另需明确的是,宫廷命意与诗画关系并非包含与被包含的关系,而是有其交集、有所牵涉。据此,宫廷命意主导下的诗画关系讨论并不意味着宫廷命意的穷尽。文章慎重选择诗画联结相对紧密的材料,不涉及诗画关系的宫廷命意因而不再加以讨论。同时,有的画作并非直接授意于帝后,但在宫廷政治文化语境中,这些作品或多或少受到宫廷命意的影响。对此,文章谨慎选取包含院画风格、能够体现宫廷诗画关系的典型作品。
  总而言之,南宋宫廷艺术中的诗画关系是以宫廷命意为契合点的诗画互文。尽管这种互文属于诗画合流的范畴,但基于当时语境、作品的综合考察,以及诗画的细致比较,诗画互文的内在机制实际存在一定的差别。通过以上分析与论述,文章试图理清南宋宫廷诗画关系的内在机制,弥补相关研究的缺失,拓展古代图文关系的讨论视野,并为中国图文关系史的建构尽微薄之力。同时,文章力图将符号学为基础的图文关系理论落实到传统艺术现象的讨论中,推进图文关系理论的本体化进程。另就艺术学的跨门类比较而言,文章还为诗画比较提供了古代宫廷艺术的研究经验。
[硕士论文] 徐天然
设计学 北京交通大学 2017(学位年度)
摘要:目前,北京地铁建设还在如火如荼地进行着,依据北京城市总体规划和综合交通规划,到2020年北京城市轨道交通线路达到30条,总长度为1177公里,轨道交通出行量将大大增加。因此地铁空间成为市民生活中重要的公共空间之一,地铁空间内的艺术作品可以直接影响乘客们的精神感受。
  研究首先对目前国内和国外地铁站内艺术作品现状进行分析并对北京地铁站内艺术作品进行分类统计;其次,又对地铁站内空间进行分类研究;之后,对北京市18条线路地铁和335个运行站的艺术作品和站内空间关系进行了调研和数据统计,进而运用Microsoft Excel软件数据分析发现了北京地铁站内艺术作品与站内空间关系规律。进一步发现北京地铁公共艺术建设面临的许多问题,如艺术作品种类单一、艺术作品跟空间结合不充分、部分艺术作品阻碍乘客交通功能、缺乏站内艺术作品系统化设计的整体思路、艺术作品内容与地面历史文化资源相脱节等。最后根据论文前期研究的地铁站内艺术作品与站内空间关系,运用层次分析法和专家意见法分析了北京地铁艺术作品系统,之后,构建了北京地铁站内艺术作品评价体系,然后根据AHP模型确定评价体系的权重,算出最终的评价指标。综上所述,对于统计的北京地铁艺术作品数据和构建的评价体系能为今后的北京地铁和其他城市文化艺术建设提供一些可供参考的材料,加强北京地铁甚至中国地铁文化艺术在城市尺度的统一规划。
[硕士论文] 徐辰娅
设计学 中国美术学院 2017(学位年度)
摘要:新技术时代与教育的发展,使我国互动式教学的方式方法越来越多元化,以儿童视觉艺术为中心的互动式教学研究得到稳步发展。针对儿童在成长和学习的环境中学习状况出现过分单一、创造性的扼杀等情况,营造多种互动式教学方式刻不容缓。目前学院式少儿视觉艺术教育缺乏对孩子的人文关怀,过分的强调书面成绩,忽略了孩子们的精神学习。以此本文提出了以APP、VR、手机等设备的投入,为儿童提供了主动的学习和生活环境,创造儿童、艺术、科技相结合的论题。
  学生以互动式教学为导向,首先对互动式教学进行概念分析,经过对互动式教学的发展演变、特征进行解释、结合实际教学,得出互动式教学—主动性、灵活性、创造性的三个特点,以儿童视觉艺术为中心的互动式教学具体分析,根据儿童的认知特点,通过儿童视觉艺术的互动式的教学分析中发现利弊,来为APP在儿童视觉艺术中的运用提供理论依据,也为现代设备怎样适当的在儿童视觉艺术提供操作思考,我们通过这些研究,并且为探究新的教学方式铺展蓝图,为儿童视觉艺术的互动式教学提供参考依据。
[硕士论文] 庞春旺
美术(公共艺术创作与理论研究) 中国美术学院 2017(学位年度)
摘要:伴随着人类社会的进步,越来越多的科技成果应用到人们的发展活动当中,虚拟现实技术便是其中之一。本文将探讨这种技术对公共艺术创作的影响以及在公共空间的呈现方式。公共艺术最重要的特性之一为“公共性”,而虚拟现实技术为这种“公共性”转化为“共享性”提供了可能,它可以使公众自由参与和互动。从而带来彻底颠覆传统的体验方式;我把它称之为:沉浸式的传播方式;这种高度沉浸的方式即应用了媒介的传播又使体验者完全忽略了媒介的存在,达到一种自我体验的沉浸状态。
  目前国内学术关于虚拟现实技术及公共艺术均有很深入的探讨总结,但是虚拟现实技术应用于公共艺术领域的边界及其要求少有探讨。本文将从虚拟现实技术在相关领域的实际应用为基础,探讨虚拟现实技术应用于公共艺术领域的边界和要求。
[硕士论文] 高玉洁
设计学 华中师范大学 2017(学位年度)
摘要:技术革新时代中,我们沉浸于丰盈的数字化生活,又面临前所未有的困惑。互动媒体艺术作为近几年最具发展趋势的艺术形式,系统地将跨学科的方法运用在艺术实践中,利用现代数码计算科学和电子工程传感技术,充分与当代艺术创作思维相融合,邀请观众通过自身的行为活动,参与到艺术作品中,影响作品的意义生成。
  本研究将聚焦于互动媒体艺术中,由观者参与而产生审美与意义生成机制的讨论。自二十世纪六十年代以来,涉及观众参与的艺术作品得到广泛的学术关注,然而,使用数字媒体进行创作的互动媒体艺术,对于学术界、艺术史来说仍是挑战。对新媒体艺术作品中特殊的美学体验的研究,可以为艺术和媒体的理解开辟新的视角。
  因此,本文希望针对互动媒体艺术中的显著特点——参与性,进行理论梳理,探究观者参与的互动媒体艺术实践中参与性的意义,以及观者参与对于互动媒体艺术作品的意义生成机制。
  本文的结构分为六个章节进行展开讨论,第一章节介绍研究背景以及研究方法,问题意识,并阐述研究局限;第二章将首先阐述艺术作品中参与性,讨论参与性艺术的思想源流,艺术实践形态,以及参与性艺术的意义生成机制;第三章中将着重对互动媒体艺术进行讨论,通过分析互动媒体艺术的特点与要素,探究这种类型的艺术作品的意义生成;第四章将探讨在当代互动媒体艺术实践中,观者参与如何影响作品机制,如何通过交互,参与到互动媒体艺术作品意义的生成中。第五章节将结合笔者的互动媒体艺术实践作品,对于前文中的理论进行佐证梳理。第六章将会对全文进行总结与结论。
[博士论文] 毛宁
艺术学理论 中国美术学院 2017(学位年度)
摘要:关于20世纪前期的中国美术史研究,西方美术思潮的涌入和传统文人美术的回应,已得到较为充分的关注。但对于中国新兴美术与民间传统的关系,现有的研究尚未突破抗战美术的范围,跳出政治导向的视角。当五四新文化运动将视线投向民间,白话文运动、民间文学运动与民俗学运动率先吹响了关注民间文化的号角,民间美术也随之改变了长久以来的边缘地位,进入学术视野,融入美术实践。民间美术传统的价值重估是中国近现代美术史中一条隐藏的线索,有必要从社会思潮、学术视野、美术实践等方面进行细致的史料耙梳,呈现其具体过程、多元面貌和历史影响。
  五四新文化运动将学术、人生与政治紧密联系的思想,是民间美术传统得到价值重估的基础。蔡元培的“美育”思想,鲁迅将美术“播布人间”的倡议,1927年北京艺术大会“向民间去”的口号,都预示着艺术社会功能的变迁与传统美学标准的重估。但受到传统雅俗观念的影响和西方美术思潮的冲击,走向民众的美术理想并未直接导致美术家对民间美术的关注,民间美术的价值重估经历了曲折而漫长的历程。五四之后,文学家和民俗学者纷纷将民间美术纳入学术视野,鲁迅、钟敬文等人的倡导,以及整个学术氛围的改变深刻地影响了美术家对于民间美术的态度。美术家走向民众的实践,以及抗战时期生活境遇的改变,也潜移默化地加深了美术家对于民间美术的认识。
  五四之后的美术领域虽然没有形成研究民间美术的学术团体,也没有形成继承民间传统的美术阵营,而美术家关注民间美术,并将之融入艺术创作的史实,却真实地存在于诸多美术家的个人努力之中。如林风眠、庞薰琹、张光宇等人融合民间美术的探索与成就,不仅说明民间传统已经得到美术家的关注,也呈现出美术家融合民间传统进行现代美术探索的不同方式。而“大众化”和“民族化”的艺术诉求,是他们借鉴民间传统的内在动力。
  抗战全面爆发之后,政治宣传的现实诉求使民间美术的价值得到凸显,美术家形成了对于民间传统的自觉,展开了借鉴民间形式的大讨论。及至抗战后期,美术界对民间美术的借鉴已蔚然成风。抗战美术对民间形式的借鉴虽然不以艺术探索为初衷,但美术家利用民间形式进行了大量的创作实践,获得了广泛接触民间美术、深入理解民间美术甚至与民间艺人并肩创作的历史机遇。美术家对于民间美术的态度由此得到了更为全面的改观。
  这一时期,美术史论的研究也将目光投向民间,将民间美术视为中国美术传统的重要组成部分,从学术层面见证了民间传统的登堂入室。
  五四新文化运动至抗日战争时期,“向民间去”的美术思潮引导着美术家去发现长期被轻视的民间传统,而民间传统的登堂入室,又使美术家实现了“向民间去”的艺术理想。对于民间传统的自觉,是20世纪中国美术史的重要特征。
[硕士论文] 刘小敏
工业设计工程 贵州师范大学 2017(学位年度)
摘要:随着人们物质生活和精神文化生活的日益丰富,对产品的需求也在不断发生着变化,逐渐开始注重产品个性化的用户体验,单一的产品造型已经不能满足消费者多样化的需求。通过调查研究得知,目前我国充电宝产品设计行业存在同质化现象,在造型设计上缺乏与中国传统文化的结合。中国传统文化是中华民族宝贵的文化遗产,将中国传统文化元素融入产品设计已成为当今一种主流设计方向。十二生肖伴随着每个人出生成长,它对中国人具有特殊的含义,因此考虑将十二生肖元素融入到充电宝设计中,在保证其实用性的同时,满足消费者的需求,达到弘扬中国传统文化的目的。
  在论文的第一部分绪论中,概括了论文的研究背景;十二生肖元素在国内外产品设计中应用案例的分析;课题研究的重要意义;以及需要解决的一些关键问题。论文的第二部分介绍了作者对目前充电宝产品的调研过程及结果,对用户人群的心理需求有了深入的了解,总结出了一些可供参考的数据;并对十二生肖文化进行探索解析,寻求其与情侣充电宝设计的结合点,为本课题的产品设计定位方向提供了有力的依据。第三部分对“情侣充电宝”的定义和内涵进行阐述,对十二生肖元素情侣充电宝设计的创新点进行分析,初步论述了十二生肖元素与情侣充电宝结合的设计方案。第四部分从充电宝的造型、功能结构、色彩、材质等方面进行分析与定位,制定出具体的设计方案。第五部分对本产品进行可行性分析。最后,是对本课题的相关拓展,阐述了现代产品设计与传统文化相融合的思考。
[硕士论文] 陈传佳
文艺学 广西师范大学 2017(学位年度)
摘要:“横贯性”是伽塔里在拉博德精神分析诊所工作时提出来的一个概念,起源于伽塔里在寻找适合于精神病院机制性环境的精神分析方法的过程中:伽塔里一方面致力于打破传统“沙发个体”式的精神分析造成的对权威的狂热与盲目崇拜,一方面积极寻找更为合适的精神分析方法而提出了横贯性概念,用以反对弗洛伊德将“移情”作为纯粹的精神分析方法,成为超越移情的另一个创造性概念。伽塔里的横贯性概念不仅是在他极为丰富的实践基础上的产物,更是他在吸收他人思想精髓的基础上发展而来的一个综合性概念,并最终发展成为一种理论。如果说精神分析的实践活动直接促进了横贯性概念的提出,那么对前人思想的独具慧眼地有效吸收与大胆融合,成为横贯性发展成为一个理论的重要理论基础。横贯性一词是伽塔里取自萨特《自我的超越性》中的“transversal”,意在将它所包含的多样性、跨越性、异质性以及相互性引入精神分析中,以便将精神分析的可能性尽可能放大,以期更为科学客观地分析精神疾病。在这样的思想指导下,伽塔里从拉康的精神分析方法中剥离出合理的成分,结合语言符号学以及伦理学等理论,使得横贯性理论从开始的纯粹反对以弗洛伊德为代表的精神分析理论、提倡精神分裂分析发展到后来的反对西方传统的等级体系,反对所谓权威的重要理论,成为支持伽塔里思想中关于主体性生产、符号的社会符码化和全球的环境变化三大主要焦点的基础。这一基础成立的合法性,在于横贯性理论所具有的无中心、无规则、无等级体系特征,在于它所提倡的异质性、差异性、多样性和创造性,主张在有着多种力量共同作用的平面上进行自我构建,生成新的主体。在伽塔里庞大的思想体系中,横贯性的生成性尤为重要。它所具有的创造力直接为主体性生产创造了条件,在它的生成作用下逐渐搭建起了主体性生产大厦的整体构架,创造一个庞大的概念体系,成为其不可或缺的部分。文艺理论是构成这个错综复杂的体系的一个重要部分。文学的横贯性将“弱势”引进其中,给了文学发展一个更加开放的环境,这由此成为文学的又一生命动力。从文学中经典的二元对立的消解到文学的自我生成,创作者将文学打造成了一个多产的机器。媒介技术的发展成为这部机器工作的重要动力。它的出现使得文学的横贯性得到极大的提高。文学像是埋藏在地下的根茎,不急不缓,却永不停止钻入周围的土壤的动作,无声无息,在土壤的无尽黑暗中前进着,在每一个无法预测的瞬间与奇迹相遇,又或者在某个特殊的时期,它钻出地尔海姆认为“看进”先于再现,例如,并非因天空中的云朵再现了某个物象所以我们能够从中看到某物,而是因为我们头脑中先有对某物的认知,才投射到云朵上,从而在云中看到某物像。对于“再现”问题本身,沃尔海姆也进行了充分讨论,主要是从“再现”的界限、“再现”的类别以及“再现”的性质三方面来加以分析。地图是否是再现?抽象绘画是否是再现?沃尔海姆将“看进”与再现相联系,否认地图是一种再现,地图运用的是一种读图能力,而非“看进”。同时,他批判了否认抽象绘画非再现这种看法,从而扩大了再现的讨论范围。沃尔海姆将再现分类为“对象的再现”(representations of objects)和“事件的再现”(representations of events),“特殊对象及事件的再现”(representations of particularobjects and events)和“对象及事件的再现”(representations of objects and events)四种。并用“自然主义”、“逼真”、“忠于自然”这些交叉术语来讨论再现的性质。就沃尔海姆“再现”理论体系的构建而言,正如学者刘悦笛所说沃尔海姆在否定贡布里希“错觉论”、批驳维特根斯坦“相似论”的基础上,以艺术家意图为中心环节,建构起他的再现理论体系。
  沃尔海姆的再现理论扩充了再现问题的讨论范围、冲破了再现问题讨论固有的模式、并且是以绘画艺术为讨论对象,尤其是独创性的“看进”概念的提出,对分析美学研究转向具有积极意义。
[硕士论文] 李琪
美术学 沈阳师范大学 2016(学位年度)
摘要:当今世界,商业正融入和影响着越来越多的领域。当代艺术,从自身发展的需要出发,也开始挽着商业之手共舞。近年来,二者的合作,开始比较多的出现。商业为艺术提供资源,艺术为商业提供新的视角与方向。日本艺术家村上隆即是艺术和商业合作的典范,他主张的艺术创业论,就是利用商业提供的资源,进行艺术的创作和探求。村上隆及其所倡导的艺术生活方法,具有很强的代表性,值得分析其因果,探求其意义。本文行文即是为此。
  本文从当代艺术的起源和衍变出发,立足于消费社会、商业社会,探讨当代艺术的现状和发展方向。文章采用案例研究的方法,以日本艺术家村上隆为主要案例,并辅以草间弥生的艺术之路。分析其与数家国际知名品牌合作的事件。分析其合作的驱动因素,探讨艺术和商业合作的产生的影响,并对未来二者携手的前景进行预测和展望。
  围绕村上隆的艺术之路及艺术创业论,我们可以梳理出艺术和商业两条线索。首先,在现代商业社会中,消费层级越发模糊,高端品牌被更广大群体所认知和接受,除了出卖实体商品外,宣传和拓展品牌内涵价值也成为了实现品牌价值的重要方式。出于发展的需要,商业开始主动寻求与艺术的合作,并居于主导地位。其次,当代艺术脱胎于现代社会,相比较于传统艺术,它更接地气,容易被更大的群体所接受和欣赏。这也是商业与当代艺术的重要基础。最后,研究二者的合作,可以进一步梳理出更多的相关因素,发现合作对包括当代社会在内的三方所产生的价值。
  艺术与商业两者实现碰撞的原因是多方面的,除企业商业发展的需要以及当代艺术对商业资源的需求外,还有社会文化因素。包括人们对个性化的日益追求,消费需求层次的转变等。二者的合作主要通过新媒介艺术来实现。应该说,当代艺术与知名品牌间的不断碰撞,对于艺术本身的发展,品牌价值的拓展,以及社会审美情趣,消费模式的进步,都有着很大的推动作用。
  “好风凭借力,送我上青云”。日本艺术家村上隆借着商业的东风,摸索出一条艺术进阶之路。在商业中追求艺术,在艺术中成就商业。他以日本社会文化为基础,融入流行的表现手法,以及独立的思考。将商品和艺术作品模糊化。带着艺术创业。
  村上隆的“艺术创业论”代表着艺术界发展的一个新的方向。带着思考和美感在消费文化上前进。相信当代艺术未来会有更广阔的天地。
[硕士论文] 周勇吉
美术 四川美术学院 2016(学位年度)
摘要:以“中国方式”作为艺术理念的当代艺术为其走向国际化、参与国际文化交流时找到坐标提供了可能性,也为其中国文化身份的塑造打出了“招牌”。同时在中国当代艺术发展过程中提供了重要的推动力。
  本文以“中国方式”的艺术价值判断为理论主线,以探究“中国方式”作品文化身份的建构及其转化为主要内容,结合张晓刚作品《血缘:大家庭》及徐冰作品《天书》的阐述,表达对中国当代艺术现象的理解。本文论述中,“中国方式”作为一种文化策略始终贯穿于我们日常的艺术实践中,以“中国方式”作为创作理念,具有以下的视觉经验:一类是使用西方现当代艺术的形式感对中国传统元素的借用和转换;另一类是对中国人特有情感体验的传达(即中国经验和中国印象)。长期以来,中国艺术家关注自身文化处境,寻求艺术的“合法性”,试图以中国当代文化身份参与国际文化交流。
  策略性的“中国方式”当代艺术经历了20多年的发展,已经成为了中国文化不可或缺的一部分。本文试图用“中国方式”的视角去理解文化身份,具有中华民族特性的中国文化印象、中国经验等在作为一种策略性的“中国方式”当代艺术实践中被广泛使用,通过对中国元素(本土元素)合理有效的转换,创作出具有中国文脉辨识度的艺术作品,为其参与到国际文化交流明确了中国文化身份。在世界文化多元化的背景下,选择“中国方式”无疑是一种智性的策略,然而,艺术家作为创作主体既要兼顾西方的现代意识形态又要顾及自身的文化处境,其个人独立的个性气质容易被束缚,不能用“中国方式”的艺术理念对所有的艺术作品简单套用。在本文研究中,将对策略性的“中国方式”艺术产生的文化背景,“中国方式”作为一种文化策略是如何建构其文化身份以及今后个人的艺术发展方向结合起来整体思考。从美学、艺术学、图像学、符号学等相关视角对“中国方式”作为一种文化策略是如何建构其文化身份深入剖析,获得对当代艺术实践研究更为全面的方法意识和问题意识,并能为个人今后艺术发展提供更为有力的新思路。
[硕士论文] 王若木
美术学 大连理工大学 2016(学位年度)
摘要:以影像互动装置及其空间为重要线索来探究当代艺术便可以发现,艺术家运用影像互动装置拓展了艺术作品的主题内涵,唤起观众的共鸣和感知。同样的,影像装置艺术会使得展示空间更具“开放性”,影像装置的交互性研究就是对开放空间的研究。
  对大量的实际案例具体分析可以得知影像互动装置以更加开放的姿态,容纳了更多的观众,并强烈的激发了观众们的积极性。比如影像装置让观众主动的参与,从而产生一些反馈,于此同时,观众的一些反馈也成为了作品中的一部分。艺术家也通过观众们的互动和反馈对自己的创作思路进行深化。可以说,影像互动装置是顺应了当代艺术的发展潮流。影像互动装置也非常注重与所处的空间场所的协调性,两者相互深化,进而迸发出丰富的艺术成果。
  在当下,影像互动装置可谓是非常具有前沿性的艺术形式。影像互动装置也和多媒体信息技术的科技程度密不可分。因为随着科学技术的发展和艺术理念的开放,从而必然在当代艺术中产生了影像互动装置这一重要的艺术门类。作为影像装置的开放空间就意味着影像装置就是开放的空间,开放空间就是影像装置的艺术。当代艺术的潮流下,对此类装置的探究是两者已经密不可分,不可被分割独立。
  除此之外,影像互动装置也面临着一些问题,例如一些互动装置形同虚设,过于的商业化娱乐化,虽然受到一些观众的欢迎,但是实质脱离了艺术的本质,不够纯粹。这也是当代艺术家在制作所应该避免的。
  同样通过艺术心理学角度也可探明,影像互动装置空间大大激发了观众的艺术情感,并且通过观众的反馈又丰富了作品本身。
[硕士论文] 黎炳声
艺术学 四川美术学院 2016(学位年度)
摘要:艺术史大师阿比·瓦尔堡(Aby Warburg)是图像学的奠基人,他认为在艺术研究中应该结合其他领域的研究成果,在一个大的文化史的整体当中讨论艺术史。帕诺夫斯基(Erwin Panovsky)在瓦尔堡的基础上,对图像学进行了理论的定义和阐述,确定了图像学的方法与模式,即挖掘艺术作品的意义与内容。 E.H.贡布里希(E.H.Gombrich)针对帕诺夫斯基的图像学所存在的问题,建立了一套标准和防范措施,把重建艺术家的创作方案规定为图像学的中心任务。帕诺夫斯基开辟了新的图像解释范式,但他依然停留在视觉艺术的范畴里讨论图像,而且他的这种文化整体主义往往造成阐释过度。虽然贡布里希在帕诺夫斯基的基础上进行了修正与规范,但贡布里希的经典主义图像理论无法解释现代艺术的多元化和复杂性。因此,W.J.T.米歇尔(W.J.T.Mitchell)主张要在他们的基础上重构图像学。
  米歇尔对形象一词的概念进行了阐释和总结,他把形象看做一个来自不同时空间的视觉性内容所构成的一个关于形象的庞大家族谱系,而图像指的是可感的材料性、物质性的东西,图像就是形象加上它的支撑物。米歇尔另外一个重要概念是“元图像”,“元图像”是自我指涉、一种关于自身的图像,或再现某一类图像的图像。显然,元图像最重要的功能就是解释什么是图像,它呈现了图像的自我认识,并回到图像本身。理论上,任何能够反映图像本质的都是元图像。
  米歇尔的图像理论与传统图像学之间的区别就在于,它回到了图像本身,而不是像帕诺夫斯基那样简单的文化分析或贡布里希那样的风格研究。在以米歇尔的图像理论为基础的图像构建中,它既包括形象与图像之间的关系,同时也包含了元图像的概念。也就是说,图像构建是一个拥有自我指涉功能的认知机制,是一个辩证的逻辑系统,而这逻辑系统在建构的过程中与媒介、意识形态有关。
  不同的图像构建将呈现不同的认知方式。例如雷尼·马格利特(Rene Magritte)在作品《形象的背叛》和《两个秘密》中,通过构建词与物之间的辩证关系设置了一个充满歧义的认知系统。仇晓飞的作品《肢僵硬》探讨物质、记忆、历史在心理和潜意识中的显现,强调心里体验过程,按照心理和潜意识的活动进行图像构建,这种图像构建开启的是一种关于心理的认知方式,同时使得他的作品从绘画内部发展到装置、雕塑等多种媒介。刘韡的作品《只要我看见的》中更多的是在图像构建的过程中把视觉覆盖于概念与材料之上,通过完全视觉艺术的方式来反对艺术的观念化,使得作品本身生成一个内部空间,体现了一个关于视觉的认知方式。按照他本人的说法,这是一个隐蔽的现实。通过分析,我们可以发现他们最终的视觉呈现了“二级话语”,并完成图像的自我指涉。图像建构是立体的思考过程,政治、文化、社会的指向都包含在他们的图像构建所体现的认知方式里面。马修·巴尼(Matthew Barney)的《悬丝》系列把多种艺术媒介的形式特点杂糅在电影的叙事系统中,也就是所谓的“总体艺术”,每一部《悬丝》系列作品之间都相互的指涉,使得整个系列作品形成一个完整的系统。马修·巴尼的图像构建实质是一种宏观的把控,它所体现的则是一种混合体的认知方式。
[硕士论文] 符周阳
艺术学 四川美术学院 2016(学位年度)
摘要:上世纪90年代,后殖民批评理论进入中国,为中国文学批评提供了新的方法论,这也影响到了中国当代艺术批评的发展。以1993年中国当代艺术首次参加威尼斯双年展为起始,这次展览引发了批评界第一次“后殖民”热潮。围绕这次展览,90年代中期在《画廊》《江苏画刊》等主要媒体平台上展开关于中国当代艺术的“国际身份”、“走出东方”的后殖民话题讨论。21世纪初,第三届上海双年展首次采用国际双年展制度,当代艺术“国际化”的问题从“走出去”转化为“引进来”,也引起了后殖民批评议题的转变:中国当代艺术的体制建设。进入21世纪以后,后殖民已经成为一个热门词汇和理论概念,显示出了程式化和表层化的倾向。于是,2008的第三届广州三年展以“告别后殖民”为主题举办了巡回研讨会和展览,讨论中国当代艺术界与这种思维模式和理论方法说再见的必要性和可能性。
  本文的写作以以上三个展览为线索,通过整理展览主题、作品以及相关评论来梳理中国当代艺术情境中后殖民批评的发展。这三个展览发生的历史语境,不仅说明了展览发生的必然性,也表明了后殖民批评不同阶段所对应的为社会环境的变化。上世纪90年代的“身份”讨论,可算是后殖民批评的初始阶段,它对应了中国当代艺术刚进入国际的氛围。进入21世纪以后,中国的文化、经济全面进入全球化的语境中,后殖民理论在中国已经有了一定的基础,而此时的中国也在构建国际化的文化形象,当代艺术展览作为其中重要的一部分也学习方法的模式举办国际艺术双年展。后殖民批评不再是进入西方艺术界的策略问题,而是在尝试建立国际视野里中国艺术的主体性。2008年的“告别后殖民”展览,更多的是理论上的反思,其发生与“后殖民”一词的流行化相关,策展人重新分析了“后殖民”一词的确切含义,说明了两个问题:在中国的历史发展中,“后殖民”关系的殖民者和被殖民者是有特殊性的,中国当代艺术中常见的东西二元对立过于武断;其次,在新的文化环境中,政治地理学的划分在被知识、文化同一化的现象取代,如果要讨论“后殖民”,21世纪以后的文化经历的是“媒介殖民”。
  文章的前四章主要梳理后殖民批评进入中国以及中国当代艺术情境后的发展历程,第五章则是对这种后殖民批评的特殊性进行分析。在中国当代艺术特殊的语境中,后殖民批评表现出了批评对象的多重性、批评的实践性的特点以及作为舶来品在此情境中生效的尴尬。
  文章的结论部分,将回到中国当代艺术创作和批评的层面上,将贯穿于后殖民批评的几个关键词提取出来,通过建立自身的话语体系来消解文化“后殖民”。这几个关键词包括“当代性”、“批判性”和“现代性”,围绕这几个词语产生的矛盾如果得以解决,那么“后殖民”批评所期待的“多元”、“平等”的文化空间就得以建立起来了。
[硕士论文] 张新月
绘画(版画) 中国美术学院 2016(学位年度)
摘要:约翰·列侬曾经说过:“当我们正在为快速的生活节奏而疲于奔命的时候,生活已经离我们远去。”城市生活中的人们虽然希望生活变的单纯和轻松,但是飞速转动的城市机器使人们获得了一种无法慢下来的惯习,过着“陀螺”态的生活。在这个大背景下,艺术何为?艺术在我们生活中究竟扮演着什么角色?一直以来,艺术在我们生存的意义框架中的重要性不言而喻,它在关键时期用法的改变见证着我们在思考公共生活问题时特有思维方式的总体变化。艺术在当下,更不仅仅是以艺术品的方式介入社会,而是以一种“艺术化”的方式介入,帮助我们不断反思自然而本真的生活,通向可能的世界,对生活的感悟影响着艺术,艺术又反作用于生活。
  19世纪80年代末,由意大利慢食运动掀起的“慢”思潮迅速传播至全球各个领域和层次,慢城、慢设计、慢艺术等等,都是对不断加速的城市生活的一种反思和对抗。本文试图通过分析“慢”字深层的价值内涵作为切入点去谈生活与艺术这个议题,探究速度时代下,“慢”思潮所倡导的哲学理念与艺术领域的关联。通过梳理慢艺术的发展脉络,分析艺术作品及背后的情感倾诉结合自身所感所悟,探讨在“慢”生活话语下,慢艺术理念的深层意义;并通过归纳艺术之于人心的重要作用,论证艺术对生活的疗效,总结归纳出艺术是如何减慢生活,且慢生活话语下艺术创作不忘初衷可以获得的新灵感。最后围绕自身对艺术的理解和创作实践谈艺术欣赏需“慢”下来,艺术创作更应该“慢”下来,保持清醒头脑,不随波逐流,平衡广阔视野与内心世界的需求与表达。
[硕士论文] 赵浩
美术学 中国美术学院 2016(学位年度)
摘要:当代艺术分有很多门类,各个艺术门类之间跨界交流越来越频繁。“跨界”——是各个艺术门类之间互相影响的结果,这种影响是牵一发而动全身的,会影响到与之相关的方方面面。舞台剧《战马》就是雕塑艺术与木偶艺术跨界的例子。《战马》中木偶的风格深受西非马里雕塑的影响,而这些木偶又是基于这个团队制作的所有木偶技术的基础上不断创新才创作出来的。本文通过分析木偶与雕塑的关系、木偶与舞台的关系、木偶与表演者的关系,来解析“跨界交流”是如何为舞台剧《战马》中的木偶艺术带来的独特表现力。
[硕士论文] 崔译
美术学(公共艺术创作与理论研究) 中国美术学院 2016(学位年度)
摘要:本文将公共艺术置于当代艺术发展的语境中,结合20世纪以来的时代背景和文艺思潮,探讨身体文化的兴起,和“身体在场”在当代艺术中的实践;通过对当代艺术中被广泛接受的经典案例分析,展现艺术实践中对“身体”、“感知”、和“在场”的回归;研究在艺术传播中,作为观者进行审美欣赏和创造性自我塑造场所的、具有公共属性的“身体”;借此探讨在审美日常化的当下,当代艺术实践中“身体在场”的“公共性”。
  从引言部分的个人学习经历的视角切入,探讨消费社会中“身体”的现实困境,和当下公共艺术传播中可能面临的问题,由此展开呈现“身体文化”背景下的“公共性”,以及艺术实践中的“身体在场”体现的人文关怀。在当下语境中,艺术家可以通过加强对“身体在场”的关照,使得艺术传播中的审美主体转向更加广泛的公众。
[硕士论文] 王莉
民族教育学 西南大学 2016(学位年度)
摘要:非物质文化遗产的传承正面临许多问题,保护和传承非物质文化遗产刻不容缓。教育(包括正规教育和非正规教育)被视为实现传承的重要途径。正规教育(学校)先后采取了一系列措施,诸如非物质文化遗产“进校园”、“进课堂”、“进国民教育体系”……,并且已取得了一定效果。但是,非正规教育在非遗传承中的地位还没有得到足够重视,极大地影响了传承效果。充分发挥非正规教育的作用,并揭示其传承非物质文化遗产的一般性原理,这对非物质文化遗产保护有重要作用。
  非物质文化遗产具有鲜明的特征,表现为社会性、活态性、群众性和非孤立性。这些特性决定了非物质文化遗产的传承并非单靠正规教育就能完成,还要依赖于非正规教育。通过全面考察国家级非物质文化遗产代表作——秀山花灯的传承,我们发现其传承主要是通过非正规教育来实现的,与传统的正规教育有着较大的差异。借鉴并参考“教育三要素说”,即教育者、受教育者、教育影响,对花灯形成的背景、发展历程、表现形式、传承过程、传承动力、传承对象、传承方式、传承时空、传承方法等一一进行考察,结果显示:这里的“教育者”不是接受过专业教育的教师,而是当地有名望的老者或尊者;既可以是个人,也可以是群体;“受教育者”不是学生,而是花灯班成员及所有参与者,甚至是观众;“教育影响”主要包括三个方面:教育内容、教育方法、教育时空。其中教学内容主要是向人们传递日常生活中的生产生活知识和技能、文化知识和行为道德规范,教会人们跳花灯舞蹈,唱花灯曲调。这些内容不同于正规教育中的知识;教育方法主要是以练习法、榜样示范法和情境教学法,而不是以讲授法为主;教育时间主要集中在春节期间,和其他重大节日期间,教育空间主要是各村民自家的堂屋或公共空间,其传承时空均在正规教育之外。正是这三要素的相互影响,实现了秀山花灯这类非物质文化遗产的有效传承。
  进一步研究发现,非物质文化遗产之所以实现传承,在于满足了5个条件,分别是:第一,不脱离其产生的生态系统是实现非物质文化遗产传承的基础。第二,满足人与社会时代的需要是实现非物质文化遗产传承的前提。第三,文化持有者和享受者的积极参与是实现非物质文化遗产传承的源泉。第四,“文化自觉”是实现非物质文化遗产传承的动力,而利用非正规教育培养人的文化习得,是实现“文化自觉”的主要途径。第五,良好的社会环境是推动非物质文化遗产传承的催化剂。因此,在非物质文化遗产传承面临多重困境的今天,不但要继续发挥好正规教育的优势,还要充分重视非正规教育传承非物质文化遗产的源动力和生命力,并满足非物质文化遗产传承的相应条件,更加有效地保护和传承非物质文化遗产。
[硕士论文] 黄天一
社会学 中南民族大学 2016(学位年度)
摘要:随着我国社会和经济的快速发展,文化的力量和价值越来越为全社会广泛认知,文化遗产的保护与利用给国家和地区发展带来的推动作用日益凸显。世界文化遗产是文化遗产的顶级品牌,在当前的开发利用中存在商业化日趋严重、对遗产景观的破坏、文化品牌挖掘不深等问题。如何处理好世界文化遗产保护与地方发展的关系,有效地对人类这一共同财富进行妥善保护、合理利用,使之得以世代相传、永续利用,历来是学界和政府十分关注的问题,也是现代人面临的主要挑战和不可推卸的责任。唐崖土司遗址因其完整性和特殊性列入世界文化遗产,是以土家族为主体的少数民族文化遗产。唐崖土司是鄂西南地区级别较低的土司,初建于元朝,明朝天启年间势力达到极盛,清雍正年间改土归流,结束其历史使命。唐崖土司虽然成为历史的过客,但其留下的遗址却较完整地保留下来,成为土司制度的历史见证。
  文章首先论述了世界文化遗产的品牌效应以及世界文化遗产保护与地方经济社会发展的关系,重点对世界文化遗产与旅游开发的关系、原则进行了探讨,分析世界文化遗产保护和利用过程中存在的问题。随后以唐崖土司遗址为个案,就世界文化遗产的保护与地方的发展进行探讨。通过实地走访和田野调查,收集唐崖土司及其遗产地的相关资料,梳理唐崖土司遗址保护和申报的历程,包括唐崖土司申报世界文化遗产的过程、“申遗”前后对遗址的保护,分析唐崖土司遗产在保护和利用中存在的资金、规划、开发利用以及成果分享等现实问题。最后围绕唐崖土司遗产保护利用与咸丰经济社会发展进行讨论,运用社会学、经济学、旅游学、市场营销学等理论和方法,从优势、劣势、机遇和挑战等分析了咸丰县未来经济发展的定位应是旅游业为主导的生态产业,进而从正反两个影响面分析了唐崖土司文化遗产可能给咸丰经济社会发展带来的效应,提出文化遗产保护与促进地方发展双重并举的策略,即在制定旅游规划中凸显唐崖土司遗产的带动作用、在旅游开发中发挥唐崖土司遗址的文化品牌效应、在宣传营销中多途径提升唐崖土司遗产的影响力、在唐崖土司旅游产品设计中充分利用其文化特色、在开发中重点处理好保护与发展的关系。
[博士论文] 古春霞
中国少数民族艺术 中南民族大学 2016(学位年度)
摘要:在现代传播视阈下民间艺术从神圣的殿堂逐渐走向日常生活审美化,从传统的二元分立如民间与官方,大众与精英,通俗与高雅,走向相互交叉渗透,互相整合共生。创作主体也在传统文化模式和现代传播模式的“在场”与“缺位”之间交替更迭。随着现代化进程的加速,所谓的原生性、本真性在经历一系列复杂的变动后,土家族民间艺术逐渐从隐秘的祭祀仪式活动中走向敞开的舞台。经过大众文化的洗礼,传播媒介的加工、提炼和把关,形式、内涵等方面有了很大的改变和突破,大部分已经脱离原有的时空和文化语境,传统文化功能中的神圣性、膜拜价值被解构,呈现出更多的展示价值。现代传播媒介给原生性艺术创建了前所未有的艺术平台,带来了走向世界的良好契机同时也带来弱化自我本真的一面。土家族民间艺术伴随礼仪功能相生的灵韵消失在机械复制的光芒中,同时又以“惊颤”的效果伴随光影重生。土家族民间艺术从最初庆祝神灵的祭祀活动到舞台上的经典再现,再回归街头巷尾的自娱自乐,经历了从生活走向艺术,从艺术又回归到生活本身的过程,这种变迁值得我们深思。
  第一章主要对土家族传统民间艺术的进行概述及四个主要表征进行阐释:自然本真的价值取向;达观生死的人文情怀;万物有灵的宇宙观;白虎图腾的伦理观去考察分析。第二章现代传播技术建构了新的价值判断和文化维度,对土家族民间艺术的发展产生了深刻重要的影响:土家族民间艺术的生成环境由传统视阈下的“诗意地栖居”开始向现代传播中的“狂欢化”转变;传播方式由单一化向多元化转变;传播时空由场域性向超时空转变;从审美主体的接受上来说,呈现出一种即时性和即兴性的互动效果;审美开始泛化与主体非在场性等特征。第三章分析现代传播视阈下土家族民间艺术的变迁表现:内涵上由附魅性向祛魅性转变;形态上由原生性向舞台化转变;品质上由稀缺性向同质性转变;功能上由娱神性向娱人化转变;传承上由整体性向从碎片化转变。第四章主要阐释现代传播视阈下土家族民间艺术的变迁机制:现代传播视阈对民间艺术逐步的顺涵化或者反之逆涵化,同时又进行互文性的改写、复制、拼贴,使之适应于主流文化,使民间艺术呈现出多元化与多样性的审美特征。第五章,现代传播视阈下土家族民间艺术的精神建构:土家族民间艺术在面对整个社会和文化演进过程中要逐步实现:对自我的心理慰藉功能;对他人的社会安抚功能;对神灵的宗教升华功能。土家族民间艺术既可以是“下里巴人”的民间叙事,也可以是“阳春白雪”的经典重述。第六章,现代传播视阈下土家族民间艺术的复兴:土家族民间艺术在发展的道路上,理应寻求一种更利于大众接受的圆融共通的艺术,对“存在”的大众进行有效的文艺素养的引导和关照。除了关注艺术的接受和创作主体之外,还要激活土家族民间艺术本身的灵韵特质。
  本论文主要探讨了土家族民间艺术在现代传播视阈下的生境、内涵、表现形态、审美特征的变化及其变迁机制、及怎样在现代传播视阈下建构和复兴土家族民间艺术,更好地实现传承、发展和超越。传统土家族民间艺术和现代传播进入互渗式阐发研究的过程中,无论是“下里巴人”的民间叙事还是“阳春白雪”的经典重述,土家族民间艺术在从“传统”走向“现代”;从“他者”转向“我们”;从“历史”面向“未来”的全球化,这是一种必然的经历。以辩证、运动、整体的思维来审视传统文化和现代传播视阈下土家族民间艺术的变迁,突出审美文化研究的现实关怀。从历时性的角度去考察土家族民间艺术的变迁,并和现代传播视阈下其它类型的大众文化加以对照研究,坚守合规律的、合目的的原则超越狭隘的民族主义,融入多元文化之中,在纵向上既根植于传统又面向现代,在横向上跨越多民族的阈限和阻隔,创造出符合当代人审美趣味的艺术,提高大众的文艺素养和文化自觉。土家族民间艺术在现代传播视阈下要突破自我的私语与囿限,既要坚守文化根脉又要不断适应新的语境。用审美人类学的视角在历史中去审察发现“存在”的维度。存在并不是人独有的特质而是自然万物的本质。要超越自我,学会共情,激活灵韵并使之永恒,引向“他者”的存在,让人文精神和科学技术并驾齐驱,在这个不断大同的历史进程中,对土家族的民间艺术、文化观念要不断思索、扬弃,建构一种能体现时代辩证精神的审美追求和文化宗旨。
  (已选择0条) 清除
公   告

北京万方数据股份有限公司在天猫、京东开具唯一官方授权的直营店铺:

1、天猫--万方数据教育专营店

2、京东--万方数据官方旗舰店

敬请广大用户关注、支持!查看详情

手机版

万方数据知识服务平台 扫码关注微信公众号

学术圈
实名学术社交
订阅
收藏
快速查看收藏过的文献
客服
服务
回到
顶部