摘要：在网络环境下，视觉艺术的传播方式正在高歌猛进地发生变化，网络平台为从主体到效果这一传播过程注入了新的生机。为了更好地被大众接受，更多的艺术从业者、爱好者将互联网作为视觉艺术传播的工具已是大势所趋。本文结合传播学相关理论分为四部分:首先，对本文研究的视觉艺术和网络传播的概念属性进行了界定;随后，阐明了传播主体的几种类型，以及网络环境下受众诸多改变;接着，对视觉艺术网络传播的渠道总结概括，并归纳出具体的传播模式;最后，分析了视觉艺术网络传播产生的效应，剖释了线上视觉艺术市场的拓展和社会美育工作用。第三章关于传播渠道以及传播模式的总结，是本文的主要创新点，本章对微博、微信、艺术App等各种渠道重点研究，结合现有案例具体分析了诉诸文字、依托活动、设置话题议程等方式。

摘要：宋代是语图合体、诗画合流的时代，诗歌和绘画配合构成同一文本，形成诗画互文。在以往研究中，诗画合流的讨论多聚焦于文人画。但事实上，在两宋时期，宫廷绘画是是推动诗画合流的重要力量。受北宋文人提出的“诗画互有”“诗画一律”等观念的影响，北宋宣和画院以诗句作为画学考试的题目，宋徽宗更多次题诗于画上。诗画由此呈现于同一界面，两者形成深意交互。南宋宫廷延续诗画合流的趋势，表现为帝后题画诗与宫廷绘画的融合，以及诗意图的大量产生。这一时期的题画诗、诗意图的存世数量远超北宋宫廷，题诗涉及的画作更为广泛。同时，南宋宫廷绘画是当时画坛的主流，在艺术成就方面堪称古代艺术的高峰之一。据此，南宋宫廷艺术中的诗画互文可视为宫廷诗画合流的代表之一。文章以图文关系理论为基础，考察南宋宫廷艺术中的诗画关系，并得出以下结论:
　　总体来看，相对于诗兴遣怀的文人画，南宋宫廷艺术产生于宫廷政治文化语境中，宫廷画家需要遵从或者迎合命意，皇帝、皇后则将命意包含于题诗中。由此，宫廷命意成为诗画联结的交集，其中的诗画关系可视为以宫廷命意为契合点的诗画互文。从命意内容来看，宫廷命意围绕政治用意与娱赏趣味的张力展开，主要包含三方面内容。第一，宫廷对于政治寓意的传达。政治寓意围绕宫廷政治活动展开，涉及皇权本位、皇权与官僚、皇帝与后宫等权力关系。第二，宫廷对于文人诗意的雅赏。这种雅赏并非单纯的追慕，而是南宋帝后对文人诗意的选择性接受与再阐释。第三，宫廷对于民间风俗的观看。这种观看既包含体察民情的意图，又包含观看民间之趣的目的。在不同命意之下，诗画联结的内在机制呈现出一定的差异，形成相应的语图互文范式。
　　首先，在传达政治寓意的命意中，诗画关系主要表现为“诗画互释，表达政意”。题诗占据阐释图意的主导地位，图像则以直观呈现、隐喻等方式呼应题诗的命意。这种互释并非漂浮于符号的表面意义，而是深入到政治隐意当中，传达恩宠权臣、优抚闲官以及邀宠君王等意图。
　　其次，在雅赏文人诗意的命意中，诗画关系主要表现为“取象于诗，画改诗意”。图像并非对于原有诗意的复现，而是以图像与语象的互现为基础，对于诗意进行改造与转译。从演绎的具体状况来看，由于绘画是空间艺术，诗意空间与人物更容易加以呈现，演绎的力度也更大，故而与时间、情节分章讨论。诗意空间与人物方面，画家或改换诗歌的场景，将诗意空间改造为帝后熟悉的宫苑场所;或塑造符合宫廷趣味的诗意人物，如内敛居静的宋儒、悟道的僧人等。与之相比，诗意时间、情节的呈现需要凝滞动态的时间，对此，画家将“坐看云起时”“山静日长”等诗意时间呈现于图像当中，形成相关的图像谱系。至于诗意情节的图像呈现，集中体现在禅宗公案为题材的图像。两宋是“三教合一”的时代，公案中的诗偈是与文人诗意密切相关的话语资源。画家力图呈现诗偈生成的顷刻，表现禅趣。尚需补充的是，这四种不同的图像演绎类型实为一个整体，往往叠合于同一图像之中。但为了理清语图关系的内在机制，文章选择了类型特征鲜明的图像作为案例，加以论述。
　　最后，在观看民间风俗图景的命意下，诗画关系主要表现为“画呈民情，诗观得失”。其中，有的宫廷风俗图像呈现民间疾苦，具有一定的规谏之意;有的图像呈现村田之趣，包含粉饰太平与颂德之意;有的图像表现民间节庆风俗在宫苑的渗透，表达节庆娱欢之意。对此，南宋帝后以题诗方式进行回应，形成了诗画互动。
　　另需明确的是，宫廷命意与诗画关系并非包含与被包含的关系，而是有其交集、有所牵涉。据此，宫廷命意主导下的诗画关系讨论并不意味着宫廷命意的穷尽。文章慎重选择诗画联结相对紧密的材料，不涉及诗画关系的宫廷命意因而不再加以讨论。同时，有的画作并非直接授意于帝后，但在宫廷政治文化语境中，这些作品或多或少受到宫廷命意的影响。对此，文章谨慎选取包含院画风格、能够体现宫廷诗画关系的典型作品。
　　总而言之，南宋宫廷艺术中的诗画关系是以宫廷命意为契合点的诗画互文。尽管这种互文属于诗画合流的范畴，但基于当时语境、作品的综合考察，以及诗画的细致比较，诗画互文的内在机制实际存在一定的差别。通过以上分析与论述，文章试图理清南宋宫廷诗画关系的内在机制，弥补相关研究的缺失，拓展古代图文关系的讨论视野，并为中国图文关系史的建构尽微薄之力。同时，文章力图将符号学为基础的图文关系理论落实到传统艺术现象的讨论中，推进图文关系理论的本体化进程。另就艺术学的跨门类比较而言，文章还为诗画比较提供了古代宫廷艺术的研究经验。

摘要：当代艺术是对当下正在发生事物的反映与呈现，在当前中国城市化发展背景下，越来越多的废墟出现在我们生活中，成为当代艺术的历史载体之一。艺术家为废墟创造废墟主题艺术作品，这些作品具有保留记忆的功能并和当代生活相连接。废墟主题艺术是对社会发展的记录，与传统艺术完全不同，由此提倡中国当代艺术家的废墟主题创作应体现其个人经历、情感和所处的社会环境，并与当代本体紧密相关，需要从本体文化出发，同时以全球化的角度去理解创造废墟主题艺术作品，提升中国当代艺术水准。目前对于当代艺术中废墟主题的研究范围不够全面，也没有明确提出废墟主题是非线性的观点，它肯定过去与传统，具有文化积淀。因此通过物质层面的废墟转向对精神层面的废墟分析，结合废墟主题艺术与本体文化之间的关系，用较为完整且具有代表性的中国当代艺术废墟主题作品为例，从废墟主题艺术与群体的情感、集体的身份认同、宏大叙事等方面具体分析，探讨废墟艺术作品的内涵与对当代社会的记录作用。同时，分析比较中国当代艺术和西方当代艺术中废墟主题的异同，得出中国废墟主题艺术具有符号性与双重性的特征，使其成为中国当代艺术的典型代表。

摘要：在科技发展迅速的今天，越来越多的人们更倾向于利用手机应用来实现生活的便利化，女性时尚服务平台。作为面向女性的一款生活类应用应运而生。平台基于大数据算法，通过移动终端解决女性日常服饰上搭配指导、衣物管理、形象顾问指导的需求。本课题深入探讨在共享经济的形式下，女性自我形象管理的需求通过线下线上资源重新链接融合的创新意义，并从感性工学的角度分析女性用户平台使用的心理和视觉需求，通过归纳提取的元素体现，运用科学合理的方式进行平台开发是女性时尚服务平台应用与设计的关键所在。
　　本文采用理论研究与设计实践并行的设计方法，从共享经济的社会发展特征与感性工学设计的相关理论研究着手，以女性时尚服务平台应用与视觉设计作为切入点，对女性用户服饰配搭管理需求及在线体验要素进行提取分类，通过理论研究、方案分析、应用实践等方法进行研究，探寻女性时尚服务应用APP设计的规律。将女性在自我形象管理上的情感化需求与之相适应的APP视觉设计有机结合，是本文研究核心所在。本文将从平台开发要素资源和线上设计呈现两个方面进行剖析，力求设计方案满足APP功能实现要求的同时，融入情感化设计元素，提升用户体验价值，不断为女性用户提供更优质平台应用体验。

摘要：论文由《内省腔》作品引发，通过对尹秀珍作品的解读，得出这位女性艺术家的创作有以下几点特征:一、不只是柔软;从尹秀珍的作品表面来看，大多数是以衣服、毛线、鞋子等，这些女性艺术家常用的材料作为艺术表现，因此很多人都会觉得她的作品停留在表现一些女性感性的情感，是柔软的。本人通过对她作品的分析之后发现并不全是这样的，她很多的作品都在表现她对环境、空间、社会的发问，提出自己感想，不是停留在柔软材料的表面。二、超越性别，尹秀珍在艺术创作中并不是以一种女性主义者的姿态进入，她注重的不是性别决定论，而是以一个人的感受与判断力去做一些有意思、强有力的作品，用作品去体现自我的价值感。三、骨子里的集体潜意识感;童年时期中国的集体主义思想对她产生了根深蒂固的影响，她的绝大多数的作品都以这个主题为中心，多数的作品都是以收集旧衣服为主要的材料，每件衣服就像一个个体，作品将个体组成一个整体，这是一种集体潜意识的表现，这样的创作手法几乎贯穿在尹秀珍整个的创作历程当中，每个时期的体会都不一样，这种“集体”感所展现出来的内容也不一样，每个时期的作品就是最好的诠释。
　　通过论文可以看到一个更加全面的尹秀珍，她与传统定义的女性艺术家不一样，在作品中有她自己的性格、思想和独特的东西。

摘要：伴随着人类社会的进步，越来越多的科技成果应用到人们的发展活动当中，虚拟现实技术便是其中之一。本文将探讨这种技术对公共艺术创作的影响以及在公共空间的呈现方式。公共艺术最重要的特性之一为“公共性”，而虚拟现实技术为这种“公共性”转化为“共享性”提供了可能，它可以使公众自由参与和互动。从而带来彻底颠覆传统的体验方式;我把它称之为:沉浸式的传播方式;这种高度沉浸的方式即应用了媒介的传播又使体验者完全忽略了媒介的存在，达到一种自我体验的沉浸状态。
　　目前国内学术关于虚拟现实技术及公共艺术均有很深入的探讨总结，但是虚拟现实技术应用于公共艺术领域的边界及其要求少有探讨。本文将从虚拟现实技术在相关领域的实际应用为基础，探讨虚拟现实技术应用于公共艺术领域的边界和要求。

摘要：在信息时代，我们面临着一个非常矛盾的状况，那就是我们虽然拥有先进的科技，生活质量也有了大幅度的提高，但人与人之间却越来越缺乏交流，人与自然环境、公共空间之间也日渐疏远。公共空间与建筑、环境、城市有着不可分割的联系，对这些关系的处理就成为公共艺术规划的主导因素。在这样的境遇下，在公共空间艺术中融合场所的概念，体现其艺术性，促进人与自然的和谐发展，成为一个可以做出众多开拓的领域。本文试图引入建筑现象学的理论——场所精神，来讨论公共空间的艺术表现。首先从场所的相关理论以及设计思路进行理论分析，紧接着结合实例，对公共空间中的场所理念及其艺术表现力进行深入研究，对场所的功能和特征进行阐述。文章最后讨论“西溪绿草地”与“西溪洪钟别宴”两个公共空间，希望能够加强对公共空间的理论认识，对当代公共艺术的创作实践有所启发。

摘要：计算机技术迅猛地发展推动了各行各业全方位地革新，对于公共艺术而言，也是如此，其中最为明显的便是虚拟造型技术所带来地变革。借助计算机得强大技术支撑，和互联网时代惊人地传播速度，不夸张地说，创作者们从设计伊始到作品完成，乃至后期地推广与宣传，都受益于虚拟数字技术地发展与运用。
　　虚拟技术在雕塑方面地运用也不过十余年，在艺术家们的手中，它已经逐渐从一种辅助的技术手段慢慢演化成一种独特的艺术表现形式。首先，它将雕塑艺术从架上解放了下来，摒弃了各种物理条件地限制，一位年轻的雕塑家可以通过电脑更为轻松，快速，精准地制作出想要的形体，这使得在技术层面培养一位艺术家的时间成本大大降低。另外，由于造型的数字化，作品得可塑性被增强，一件作品在电脑中可以进行大幅度地变形，翻转，折叠，镜像，并且借助3D打印快速成型，这在以往制作一件作品的时候难以想象的。除此之外，由于技术方面得领先，近些年欧美许多艺术工作室已经逐渐摸索出了一套属于自己的独特虚拟数字语言，通过数字媒体表现不一样的形体造型。这种语言体系与传统的空间造型体系呈现出完全不同的创作理念与艺术气质，这对国内公共艺术影响颇深，众多的公共艺术项目也开始大量运用虚拟技术，以期给观众带来更为现代，时尚的视觉体验。
　　我们公共艺术学院作为国内最早成立的城市公共空间专业，从一开始的技术使用，到逐渐通过技术手段传达作者地审美，已经通过大量的实际案例感受到了虚拟技术所带来得巨大变革，而我自己平时在进行公共艺术创作的过程中，是非常依赖虚拟技术所带来得便捷，我也清楚地感受到虚拟技术在公共艺术未来的发展中，必定占有重要的一席之地。这篇论文我试图梳理和展望一下虚拟技术在本专业中地发展情况与未来前景，探讨公共艺术在新时代下存在的不同形态。
　　在哈贝马斯的《公共领域的结构转型》中，主要从社会，政治乃至心理层面探究公共空间，然而在自媒体大爆发的时代，我们不难发现，公共空间的边界定义也在向数字化拓展。AR，VR技术地运用使得物理公共空间与虚拟现实空间相叠加，艺术家们开始追求沉浸式的感官体验。大家所关注的微信，微博，公众号，也不知不觉成为了当下最广阔.最迅速的观念传播平台，远距离的人们可以便捷地在网络上交流，分享，虚拟的数字化公共空间或社区正在逐渐形成中。
　　本文围绕艺术实践案例，探讨不同的虚拟技术在造型艺术方面地实践，寻求数字与艺术地融合，媒介与造型地贯通。并以此为基础，尝试从传播的角度，分析在虚拟技术革命中，公共艺术在新时代将以什么样的形态去传播与推广，这也是本论文的创新点和难点。

摘要：20世纪60年代是一个动荡的年代，各式各样的艺术运动层出不穷，菅木志雄和库奈利斯的创作正是这个时期进行的，他们一反常态的作品也反映了那个时代激进的特征。尽管身处两个不同的国家，但他们所面对的社会政治环境却极其相似。受国际艺术运动的影响，他们二人的作品一方面反映出艺术家试图摆脱美国文化的精神控制，另一方面也体现出艺术家对物质生产的反思。他们对材料的选择和使用透露出他们对物质的不同态度，而这两种不同的态度也形成了他们对空间的不同认识和不同处理方式，最终落实到作品上时，所呈现的是“离心”和“向心”的两种视觉感受。

摘要：色彩作为一种客观存在，不仅仅是光照射在物体上不同光波反射后的符号，也是人对于客观事物的一种主观认识，是社会文化发展的产物，是情感的象征，有着深远的文化根源，具有在瞬间唤起视觉注意和情感共鸣的效果。
　　在色彩的大家族中，金色在中国有着特殊的地位，极具文化特色。在中国人传统的观念中，黄色和红色都是极为美好的颜色，人们将金色认为由黄色变化而来，是一种辉煌的光泽色，明亮闪耀。在中国五千年文化的发展中，金色成为了历史沉淀的独特社会文化现象，象征着中华民族的独特审美情结。金色也是世界传统色彩的重要组成部分，有其特定的阶级性、时代性、民族性和象征性。同时，金色也是一种难以把控的颜色，日常设计中若没有很好地掌握金色的用度和搭配方式，就非常容易流于庸俗，它的美好与否似乎只有一线之隔。本文希望以对金色的历史溯源作为切入点，探索金色崇拜产生的原因及其精神内涵，更加透彻地了解一块颜色的本质，更理性地发掘金色的文化象征意义和色彩特质，并试着探索运用金色的色彩设计手法，力图为设计师提供一个理性的施金之道。

摘要：标志是以传达特定信息和形象为基本目的而设计的识别记号，被广泛应用于当代社会的各个领域:从商业公司到社会活动;从某种商品到某类服务。在当今处于同类产品高度同质化的时代，社会和市场对识别的需求有日益精确化和个性化的趋势。与此同时，标志还是一种载体，承载着审美体验、文化内涵、行业特征和商业文化方面的诉求。因此，标志的设计在任何情况下，都需要寻找“平衡”:理性传达功能与感性艺术表现之间的平衡;个性体验与共性传播之间的平衡;传统的文化精华与当代审美之间的平衡;具象表达与抽象形态之间的平衡。
　　随着我国经济实力的快速发展，人们的自我认同感与文化自信与日俱增，逐渐跳出了从过去一味地模仿别国的模式，开始寻找自己文明的根基。在这样的背景下，如何在经济实力提升的同时，提升文化竞争力成为近年来的热点议题。作为承载着深厚文化传统底蕴并对客观世界的理解、归纳、概括和演绎的传统纹样，是极具标志设计的文化意义的素材。与此同时，传统纹样在现代设计中的应用，又有一定的自身问题与局限性。传统的“形”、“色”、“质”是否符合当下时代的审美预期？繁复的造型是否有利于当代标志的传播？传统文化中的价值与内涵能否为当今受众所接受？
　　莲花纹样，作为传统纹样中一种极具特色的植物纹样，分布维度广泛、民族特征鲜明，具有一定研究价值和设计潜力。本文将通过对中国传统纹样中的莲花纹样的研究，寻找到一条传统纹样在标志设计中的应用方式，希望藉此为所运用传统元素进行设计的工作者，提供一个现实参照样本，以为提升中国本土元素的设计表现力作贡献。

摘要：本文将要讨论的内容为艺术作品中“重复”的表现形式，将从作品呈现形式为切入点，探讨艺术家在创作过程中对“重复”的表现方式的运用，从而总结出艺术创作中“重复”的特点与意义。
　　本文主要分为三章。首先阐述什么是重复，从自然、文学、纹样三个角度解释重复的意义，着重分析当代艺术作品中重复有哪些形式，循序渐进，结合艺术家的自述和纤维艺术作品分析重复的内涵。第一章将从日常生活、哲学、文艺等方面来阐明重复的概念;第二章，讨论到重复的几种表现形式，再探讨在当代艺术作品中的体现;在第三章，将与纤维艺术这类艺术创作联系起来，同时，列举几位艺术家的作品，并进行详细的分析。

摘要：十六至十八世纪的百多余年，对中国形象的讨论在西方是一个相当热门的话题。上至国家，下至平民都不约而同地对中国形象进行想象与设计。诸多承载中国文化的设计载体，丰富了世界艺术设计史，深刻影响了当代艺术设计的发展。
　　现代西方设计师在设计作品中添加中国元素，这一艺术表现手法其实已经断断续续地持续了八百多年了。从十六世纪起至十八世纪末止，西方艺术家从欧洲的艺术视角出发，在平面、室内、装饰、建筑园林等诸多领域对中国形象的设计形成一股相当热的潮流风尚。这种混合东方情调的设计风格源于对中国工艺品的收藏与仿制，利用漂亮的贝壳和蜷曲的藤蔓装饰一切，迎合矫饰卖弄、繁复优雅的时代精髓，植根西方审美意识，反映前人对世俗幸福与理想关怀。虽然“中国风”与中国的事实距离仍然遥远，却与欧洲人梦想中“羁鸟恋旧林，池鱼思故渊”的“中国”贴切结合，令人不得不叹服。这些对东方的误解与想象反映在艺术家的作品里，他们创造出一个田园诗般的艺术世界，表达贵族阶级和新中产阶级的放任自由和关怀。“中国风”设计凝聚了大航海时代西方想象和探索中国的旅程，展现了西方模仿与阐述中国的形式和思想。
　　由于“中国风”主要体现在艺术设计领域，而且本论文也以这一领域为主要考察范围，故在此不对文学、戏剧领域出现的“中国风”做出阐释。
　　近年来，中西方政治、经济、文化的全面交流比较，已经延伸到了中西美术比较的领域。对西方“中国风”的研究愈来愈多地被艺术界学者关注，并已形成一股学术风潮。虽然国内的相关论述已经进行到了对具体“中国风”作品主题与图样上的系统性研究上来，遗憾的是，大多还是从美术史等单一维度出发，分析其时代背景以及发展脉络，缺少对当代设计价值的启发。
　　由鉴于此，我运用文献研究法、比较分析法等尝试从设计上，梳理“中国风”设计的风格特征和表现形式;从空间上，体会东西方文化内涵与审美品味的地域特性;从时间上，结合当代设计原则，思考十七、十八世纪“中国风”设计衰弱与复兴的原因;从价值上，反思中国现当代艺术设计的问题与核心。

摘要：社交媒体艺术场的生成为艺术创作带来了全新的感知形式、感知范围和感知对象，重新建构了创作者、作品和接受者的身份问题，社交媒体艺术作品中身份的多种变异，是对传统的社交性艺术中的身份职能的转型和延续。从过去到现在的时间线上来看，社交媒体艺术中的身份不同于传统艺术中的身份存在形式，观看者从对作品的“静观”的艺术接受者的身份转变为可以参与到作品中，并介入到作品内容的一部分，甚至可能进一步成为作品的主体。这种身份的历史性转换体现了从过去到现在时间线上的观看者身份在权力体系中地位的转变，也就是说媒介形式的转变引起了艺术形式的转变。而从当前的趋势可以发现，传统媒体已经逐渐衰退，而社交媒体艺术的理论基础还未站稳脚跟，基于人文的社交媒体艺术创作与研究都面临着种种的困难和严峻的考验。
　　因此本文围绕社交媒体中的身份变异和身份成本，通过查找文献，举例论证，以及实践论证的研究方法，对社交媒体艺术创作进行研究与探讨。在研究过程中，作者通过社交媒体艺术创作的实践过程将身份变异以不同的形态与方式运用到作品中，从而提出关于身份变异与社交媒体艺术创作的反思。

摘要：本篇论文通过对“纤维”的讨论，揭示了隐藏在“纤维”中的特质——“轻”。分别通过讨论材料形式，多元化和女性特质三个方面，对“轻”的概念进行了进一步的扩展。在纤维艺术的材料形式中所表现的是物理性质的“轻”，是微观形态和质量的体现;从多元化的角度出发，“轻”表现为自由化，差异化，无中心主义的形态;在女性特质方面，纤维艺术表现为一种感性的，本能的，神秘的“轻”，丰富和软化了男性特质下的艺术观念。在论文的后半部分，讨论的是庄重的“轻”，针对于当下的问题，纤维的“轻”提供了一条既灵活又可以回归的路线，这使得纤维艺术在发展的过程中既可以生机勃勃，又不会自由无度。纤维中“轻”的特质不仅仅是物理意义上的，更多的是关于差异与自由的，这条“轻”的小路是一条救赎的道路，使得艺术可以更有活力的生成。

摘要：本文出发点是生活化的艺术感，为了这个审美取向，作者去研究日常情景中的艺术观察，以及在艺术观察之后的艺术实践与创作是如何去还原对象的真实美感。从观察图书馆的一对情侣展开，提出研究问题，对于观察的对象是不是本身就不真实，作者的窥视是否存在道德问题，是否有误读等。随后进一步研究行为的从众性和观众在情景中的构成性质。通过从众性的讨论来回答了第一个问题，对象可能不是在有意表演，他们的行为只是出于从众的道德约束，这些从众行为也具有戏剧性（如果这也算做一种集体的表演）。本文对观众在整体表演中的性质构成回答了第二个问题，就是作者本人对观众的观察甚至互动，可能达到一种平衡状态而非单方窥探，作者本人对观众可能存在筛选，这筛选可能造成误读，或者说只是部分读取。
　　回答完上述问题后，作者把结论或者这种思考联系起自己参与过的实践，并对艺术观察的态度依然是有些悲观消极的，就算是生活就是一场集体表演，就算被观察者和观察者达成了某种和谐，本作者认为观察结果依然会在时间的传递中出现解读的偏离。这就产生了新的问题，观察结果的保质期问题。于是本人递进至第二章的情节与走向的猜想。

摘要：我们从杨奇瑞《大礼包》、《四世同堂》等公共艺术作品中能感受到其中蕴涵着丰富的“时间性特征”。
　　通过进一步研读杨奇瑞的《杭城九墙》，我们惊喜发现作品中的“时间性特征”具有包罗万象的能力，提纲挈领地抓住社会重大历史变革，同时蕴涵情感纽带和时代精神。像“行云流水般自然”的“时间性特征”还具有某种神奇力量。这种来源于人民又回馈人民的力量在作者、作品、观众之间的完美演绎，在产生互动和共鸣之后，深深吸引和打动着我们。
　　学习运用“时间性特征”对指导今后的艺术创作具有重要的现实意义。

摘要：本文主要探究的是当代纤维艺术创作中的建筑语言。通过使用桑德贝克、盖格和纽曼小组的装置作品作为例证来论述几种不同形式和概念的纤维艺术作品，并通过弗雷德曼和藤本壮介的建筑手稿来引出某些当代纤维艺术作品中存在的建筑语言。本文采用循序渐进的方式，从最基础的“线”切入，继而引出空间和建筑的概念，然后通过两位建筑师对于空间的理解来进行比较，最后通过纽曼小组的几个具有代表性的项目来进行融合。

摘要：随着中国城市化进程的推进，公共艺术也随之发展，为城市的文化艺术品质改善作出了重要贡献。不过，就公共艺术的公共性而言，从开始的策划到施工完成，公众始终难以真正参与当中并为之发表态度，经常性出现一个熟悉的生活环境中毫无征兆的突然冒出了一件公共艺术作品，好的作品自然逐渐受到公众的喜欢，可是很多作品却让公众感受到的是与自己的无关。在中国现阶段，广大人民群众对于在公共空间里如何安放艺术品，从来就未曾拥有过真正的发言权。1就公共艺术而言，其应该是从属于社会价值存在的，应该服务于公众，延续培养所处地域的文明。公共艺术的规划、创作，不仅要具有艺术性，同时要兼顾公众的要求和意愿，而不仅仅是反映艺术家的个性。城市公共艺术品的设立之所以是公共的，是因为它服务的对象是广大公众，若忽视公共参与这一重要环节，容易导致主观创造与客观效应的严重错位。2
　　一些谈及公众参与的文献主要将其渠道限制在填写调查问卷和提建议等惯用手段。尽管这些手段从形式上肯定了公众的价值，但是关键点在于这些建议无法实质性地影响最终决策，就直接导致了公众与规划和创作人员之间沟通的形式主义。例如，在台州案例中，尽管引入了公共参与，主管部门还是会主观地认为公共参与有一些“现实”的限制条件—市民评议和投票既有普遍性，也有局限性，只能作为专家评审的重要参考。针对此问题也有学者分析，长官专权和设计专制等行为必然会造成对“公共性”的损害，从而削弱公共艺术规划中的公共性。
　　进入美术馆、私人空间等的艺术作品起着展示一个社会审美精英阶层审美精神水平的作用，而公共艺术则应该为公众创建一个艺术传播环境，对于目前国内比较贫瘠的艺术环境来说，其对于公众艺术精神世界的推动起着重要作用，而改进很多作品难以在公众中产生心理文化认同则是重要的第一步。
　　本文尝试通过将公共艺术与移动互联网相结合，对公共艺术项目流程进行试验性的设计，在改变公众参与方式的基础上实现从创作到作品落地的新的流程尝试，为公共艺术与移动互联网的跨行业结合发展方向提供一些试验性的可能。

摘要：本文从我国残障人士社会生活现状切入，观察综合存在的问题及其背后的成因。探讨如何解决困境的过程中，引入医学心理学领域的“艺术治疗”观念，通过对残障人士艺术作品的解读，发掘残障人士的话语方式及其对于被理解的强烈渴望。提出新观点“外在引导的艺术治疗”，艺术家通过作品触摸残障人士的精神世界，以作品展现问题发人深思。从外部搭建通向残障人士的桥梁，得出艺术正作为这座桥梁的内在结构，起着重要作用的观点。
　　科技改变生活，艺术同样改变生活。文章旨在提出公共艺术介入的核心观点，通过对具体作品案例的探讨分析、实地考察、问卷调研，展开剖析其所承担的责任及呈现的作用，重点突出在与公众进行沟通的功能上。再以本人为残障人士创作的作品为案例，从作品创作初衷源起，到与残障人士的交流，直至最后作品的呈现及效果，综合本人对现存公共艺术的调研成果，展开讨论公共艺术与社会关系的更多可能性，从而推导出公共艺术在残障人士社会生活中所体现出的价值——“连接性”——作为残障人士与社会沟通的桥梁这一论点。从公共艺术的本质属性“公共性”入手，通过探讨公共艺术所承担的社会责任加以论述。从其对残障人士生活的影响来探讨残障人士与公共艺术的互动关系以及公共艺术在人类日常生活中与在残障人群社会生活中所展现出的沟通性的差别与特点。