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[硕士论文] 邵晴
艺术传播 黑龙江大学 2018(学位年度)
摘要:在网络环境下,视觉艺术的传播方式正在高歌猛进地发生变化,网络平台为从主体到效果这一传播过程注入了新的生机。为了更好地被大众接受,更多的艺术从业者、爱好者将互联网作为视觉艺术传播的工具已是大势所趋。本文结合传播学相关理论分为四部分:首先,对本文研究的视觉艺术和网络传播的概念属性进行了界定;随后,阐明了传播主体的几种类型,以及网络环境下受众诸多改变;接着,对视觉艺术网络传播的渠道总结概括,并归纳出具体的传播模式;最后,分析了视觉艺术网络传播产生的效应,剖释了线上视觉艺术市场的拓展和社会美育工作用。第三章关于传播渠道以及传播模式的总结,是本文的主要创新点,本章对微博、微信、艺术App等各种渠道重点研究,结合现有案例具体分析了诉诸文字、依托活动、设置话题议程等方式。
[硕士论文] 张翘楚
美学 黑龙江大学 2018(学位年度)
摘要:本文通过对于“凝视”理论生成的梳理以及对西方艺术作品中女性形象变迁的整合,来阐释艺术作品中的女性形象,乃至女性艺术家们自身是如何尝试反抗凝视、建立自身话语权的。全文按逻辑分为三个部分:文章第一部分首先确立了“凝视”在文化研究层面上的意义,同时将具体艺术作品中的女性形象与萨特、拉康、福柯的凝视理论相结合,提出女性在“凝视”中处于被压制的客体地位;第二部分归纳了艺术史上女性形象的演变过程。通过对各个时期和阶段的艺术作品中所展现的典型女性形象进行考察,分析当女性作为被凝视的对象时,其形象是如何伴随着历史变迁以及女性的社会地位的变化发生流变的。第三部分则着重阐释了女性主义的兴起及其对于艺术理论的影响。琳达·诺克林、格里塞尔达·波洛克等人对于艺术史的反思不仅为艺术史研究方向提供了一种新的可能,她们的理论又反作用于女性艺术家们的艺术创作。故此,女性艺术家们开始运用将身体符号化、传递女性感性特征等方式来反抗女性形象在艺术中的“他者”形象,重塑现代女性在艺术史中的价值。
[博士论文] 杨光影
艺术学理论 东南大学 2017(学位年度)
摘要:宋代是语图合体、诗画合流的时代,诗歌和绘画配合构成同一文本,形成诗画互文。在以往研究中,诗画合流的讨论多聚焦于文人画。但事实上,在两宋时期,宫廷绘画是是推动诗画合流的重要力量。受北宋文人提出的“诗画互有”“诗画一律”等观念的影响,北宋宣和画院以诗句作为画学考试的题目,宋徽宗更多次题诗于画上。诗画由此呈现于同一界面,两者形成深意交互。南宋宫廷延续诗画合流的趋势,表现为帝后题画诗与宫廷绘画的融合,以及诗意图的大量产生。这一时期的题画诗、诗意图的存世数量远超北宋宫廷,题诗涉及的画作更为广泛。同时,南宋宫廷绘画是当时画坛的主流,在艺术成就方面堪称古代艺术的高峰之一。据此,南宋宫廷艺术中的诗画互文可视为宫廷诗画合流的代表之一。文章以图文关系理论为基础,考察南宋宫廷艺术中的诗画关系,并得出以下结论:
  总体来看,相对于诗兴遣怀的文人画,南宋宫廷艺术产生于宫廷政治文化语境中,宫廷画家需要遵从或者迎合命意,皇帝、皇后则将命意包含于题诗中。由此,宫廷命意成为诗画联结的交集,其中的诗画关系可视为以宫廷命意为契合点的诗画互文。从命意内容来看,宫廷命意围绕政治用意与娱赏趣味的张力展开,主要包含三方面内容。第一,宫廷对于政治寓意的传达。政治寓意围绕宫廷政治活动展开,涉及皇权本位、皇权与官僚、皇帝与后宫等权力关系。第二,宫廷对于文人诗意的雅赏。这种雅赏并非单纯的追慕,而是南宋帝后对文人诗意的选择性接受与再阐释。第三,宫廷对于民间风俗的观看。这种观看既包含体察民情的意图,又包含观看民间之趣的目的。在不同命意之下,诗画联结的内在机制呈现出一定的差异,形成相应的语图互文范式。
  首先,在传达政治寓意的命意中,诗画关系主要表现为“诗画互释,表达政意”。题诗占据阐释图意的主导地位,图像则以直观呈现、隐喻等方式呼应题诗的命意。这种互释并非漂浮于符号的表面意义,而是深入到政治隐意当中,传达恩宠权臣、优抚闲官以及邀宠君王等意图。
  其次,在雅赏文人诗意的命意中,诗画关系主要表现为“取象于诗,画改诗意”。图像并非对于原有诗意的复现,而是以图像与语象的互现为基础,对于诗意进行改造与转译。从演绎的具体状况来看,由于绘画是空间艺术,诗意空间与人物更容易加以呈现,演绎的力度也更大,故而与时间、情节分章讨论。诗意空间与人物方面,画家或改换诗歌的场景,将诗意空间改造为帝后熟悉的宫苑场所;或塑造符合宫廷趣味的诗意人物,如内敛居静的宋儒、悟道的僧人等。与之相比,诗意时间、情节的呈现需要凝滞动态的时间,对此,画家将“坐看云起时”“山静日长”等诗意时间呈现于图像当中,形成相关的图像谱系。至于诗意情节的图像呈现,集中体现在禅宗公案为题材的图像。两宋是“三教合一”的时代,公案中的诗偈是与文人诗意密切相关的话语资源。画家力图呈现诗偈生成的顷刻,表现禅趣。尚需补充的是,这四种不同的图像演绎类型实为一个整体,往往叠合于同一图像之中。但为了理清语图关系的内在机制,文章选择了类型特征鲜明的图像作为案例,加以论述。
  最后,在观看民间风俗图景的命意下,诗画关系主要表现为“画呈民情,诗观得失”。其中,有的宫廷风俗图像呈现民间疾苦,具有一定的规谏之意;有的图像呈现村田之趣,包含粉饰太平与颂德之意;有的图像表现民间节庆风俗在宫苑的渗透,表达节庆娱欢之意。对此,南宋帝后以题诗方式进行回应,形成了诗画互动。
  另需明确的是,宫廷命意与诗画关系并非包含与被包含的关系,而是有其交集、有所牵涉。据此,宫廷命意主导下的诗画关系讨论并不意味着宫廷命意的穷尽。文章慎重选择诗画联结相对紧密的材料,不涉及诗画关系的宫廷命意因而不再加以讨论。同时,有的画作并非直接授意于帝后,但在宫廷政治文化语境中,这些作品或多或少受到宫廷命意的影响。对此,文章谨慎选取包含院画风格、能够体现宫廷诗画关系的典型作品。
  总而言之,南宋宫廷艺术中的诗画关系是以宫廷命意为契合点的诗画互文。尽管这种互文属于诗画合流的范畴,但基于当时语境、作品的综合考察,以及诗画的细致比较,诗画互文的内在机制实际存在一定的差别。通过以上分析与论述,文章试图理清南宋宫廷诗画关系的内在机制,弥补相关研究的缺失,拓展古代图文关系的讨论视野,并为中国图文关系史的建构尽微薄之力。同时,文章力图将符号学为基础的图文关系理论落实到传统艺术现象的讨论中,推进图文关系理论的本体化进程。另就艺术学的跨门类比较而言,文章还为诗画比较提供了古代宫廷艺术的研究经验。
[硕士论文] 房昱
美术学 青岛科技大学 2017(学位年度)
摘要:波普艺术(Pop Art,也被称为“普普艺术”或“流行艺术”),是一场全球范围的、关于探讨通俗文化与艺术之间的关系的艺术运动。自出现以来,波普艺术一直在全球各地以各种形式保持着旺盛的生命力,虽然也渐显疲态,但从未被大众抛弃。
  波普艺术试图推翻抽象的艺术,转向符号、商标和其他特定的大众文化主题。波普艺术家认为都市文化是艺术创作的绝佳素材,面对消费社会商业文明的冲击,艺术家不仅要正视它,而且应该在创作中应用它。波普艺术的创作特征是直接使用商业社会的文化符号,提取其中的某一部分甚至是全部作为创作的主体和对象。波普艺术的出现不但破坏了艺术一直以来的高雅与低俗之分,还使艺术创作的走向发生了质的变化。
  本文通过对波普艺术的开端、发展、重要意义和精神内涵的探讨,研究波普艺术的本质,在不同国家、不同地区的不同时间段之间进行对比,在研究波普艺术的发展史的同时,与当下的文化产业相结合,探索波普艺术在当下的出路。
  波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力。不少服装设计,平面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得灵感。
[硕士论文] 童彤
艺术学理论;当代艺术理论 东南大学 2017(学位年度)
摘要:当代艺术是对当下正在发生事物的反映与呈现,在当前中国城市化发展背景下,越来越多的废墟出现在我们生活中,成为当代艺术的历史载体之一。艺术家为废墟创造废墟主题艺术作品,这些作品具有保留记忆的功能并和当代生活相连接。废墟主题艺术是对社会发展的记录,与传统艺术完全不同,由此提倡中国当代艺术家的废墟主题创作应体现其个人经历、情感和所处的社会环境,并与当代本体紧密相关,需要从本体文化出发,同时以全球化的角度去理解创造废墟主题艺术作品,提升中国当代艺术水准。目前对于当代艺术中废墟主题的研究范围不够全面,也没有明确提出废墟主题是非线性的观点,它肯定过去与传统,具有文化积淀。因此通过物质层面的废墟转向对精神层面的废墟分析,结合废墟主题艺术与本体文化之间的关系,用较为完整且具有代表性的中国当代艺术废墟主题作品为例,从废墟主题艺术与群体的情感、集体的身份认同、宏大叙事等方面具体分析,探讨废墟艺术作品的内涵与对当代社会的记录作用。同时,分析比较中国当代艺术和西方当代艺术中废墟主题的异同,得出中国废墟主题艺术具有符号性与双重性的特征,使其成为中国当代艺术的典型代表。
[硕士论文] 高蕾
艺术设计 东南大学 2017(学位年度)
摘要:在科技发展迅速的今天,越来越多的人们更倾向于利用手机应用来实现生活的便利化,女性时尚服务平台。作为面向女性的一款生活类应用应运而生。平台基于大数据算法,通过移动终端解决女性日常服饰上搭配指导、衣物管理、形象顾问指导的需求。本课题深入探讨在共享经济的形式下,女性自我形象管理的需求通过线下线上资源重新链接融合的创新意义,并从感性工学的角度分析女性用户平台使用的心理和视觉需求,通过归纳提取的元素体现,运用科学合理的方式进行平台开发是女性时尚服务平台应用与设计的关键所在。
  本文采用理论研究与设计实践并行的设计方法,从共享经济的社会发展特征与感性工学设计的相关理论研究着手,以女性时尚服务平台应用与视觉设计作为切入点,对女性用户服饰配搭管理需求及在线体验要素进行提取分类,通过理论研究、方案分析、应用实践等方法进行研究,探寻女性时尚服务应用APP设计的规律。将女性在自我形象管理上的情感化需求与之相适应的APP视觉设计有机结合,是本文研究核心所在。本文将从平台开发要素资源和线上设计呈现两个方面进行剖析,力求设计方案满足APP功能实现要求的同时,融入情感化设计元素,提升用户体验价值,不断为女性用户提供更优质平台应用体验。
[硕士论文] 徐辰娅
设计学 中国美术学院 2017(学位年度)
摘要:新技术时代与教育的发展,使我国互动式教学的方式方法越来越多元化,以儿童视觉艺术为中心的互动式教学研究得到稳步发展。针对儿童在成长和学习的环境中学习状况出现过分单一、创造性的扼杀等情况,营造多种互动式教学方式刻不容缓。目前学院式少儿视觉艺术教育缺乏对孩子的人文关怀,过分的强调书面成绩,忽略了孩子们的精神学习。以此本文提出了以APP、VR、手机等设备的投入,为儿童提供了主动的学习和生活环境,创造儿童、艺术、科技相结合的论题。
  学生以互动式教学为导向,首先对互动式教学进行概念分析,经过对互动式教学的发展演变、特征进行解释、结合实际教学,得出互动式教学—主动性、灵活性、创造性的三个特点,以儿童视觉艺术为中心的互动式教学具体分析,根据儿童的认知特点,通过儿童视觉艺术的互动式的教学分析中发现利弊,来为APP在儿童视觉艺术中的运用提供理论依据,也为现代设备怎样适当的在儿童视觉艺术提供操作思考,我们通过这些研究,并且为探究新的教学方式铺展蓝图,为儿童视觉艺术的互动式教学提供参考依据。
[硕士论文] 徐天然
设计学 北京交通大学 2017(学位年度)
摘要:目前,北京地铁建设还在如火如荼地进行着,依据北京城市总体规划和综合交通规划,到2020年北京城市轨道交通线路达到30条,总长度为1177公里,轨道交通出行量将大大增加。因此地铁空间成为市民生活中重要的公共空间之一,地铁空间内的艺术作品可以直接影响乘客们的精神感受。
  研究首先对目前国内和国外地铁站内艺术作品现状进行分析并对北京地铁站内艺术作品进行分类统计;其次,又对地铁站内空间进行分类研究;之后,对北京市18条线路地铁和335个运行站的艺术作品和站内空间关系进行了调研和数据统计,进而运用Microsoft Excel软件数据分析发现了北京地铁站内艺术作品与站内空间关系规律。进一步发现北京地铁公共艺术建设面临的许多问题,如艺术作品种类单一、艺术作品跟空间结合不充分、部分艺术作品阻碍乘客交通功能、缺乏站内艺术作品系统化设计的整体思路、艺术作品内容与地面历史文化资源相脱节等。最后根据论文前期研究的地铁站内艺术作品与站内空间关系,运用层次分析法和专家意见法分析了北京地铁艺术作品系统,之后,构建了北京地铁站内艺术作品评价体系,然后根据AHP模型确定评价体系的权重,算出最终的评价指标。综上所述,对于统计的北京地铁艺术作品数据和构建的评价体系能为今后的北京地铁和其他城市文化艺术建设提供一些可供参考的材料,加强北京地铁甚至中国地铁文化艺术在城市尺度的统一规划。
[博士论文] 夏航
文艺学 哈尔滨师范大学 2017(学位年度)
摘要:在西方造型艺术的发展历史中,历代美学家、艺术家、哲学家都非常关注“身体”问题的研究,尤其在步入后现代社会之后,对“身体”的讨论已经成为学界研究的重要话题。舒斯特曼“身体美学”理论的提出,更是掀起了一场关于身体理论研究的热潮,为后现代的“身体”研究建立了丰厚的理论基础。我国学者近年来对身体理论的研究也逐渐升温,发表了诸多具有学术参考价值的研究成果。造型艺术中的身体表现和身体问题也由来已久,并且持续发酵呈愈来愈热的发展趋势。对于造型艺术中身体问题的研究在当下和未来都是十分有意义的。本文正是在身体美学理论研究的基础上,通过对西方艺术中“身体”在不同发展阶段的呈现特点进行比较、分析和论述,阐释“后现代造型艺术的身体寓言”。并就身体审美转向的原因和具体表现展开重点论述。在论述的过程中主要采用以论代史和综合比较的研究方法,以西方艺术身体发展史为线,以身体表现在不同时代的差异为证,结合身体美学理论对历代西方造型艺术中的身体形态特征做出总结和论述,明确了身体在古典主义时期、现代主义时期和后现代主义时期三大阶段完成的身体美学转向的观点。重点是通过具体作品的分析对后现代造型艺术中的身体成因、形态特征、哲学观念等进行论证,力争做到有理有据。本论文共划分为六个版块,论文的绪论部分主要叙述了问题的提出和研究的意义、近年来国内外“身体研究”的发展状况、以及本文的写作目的和创新点。第一章后现代艺术的身体美学转向,从身体美学转向的时代语境入手,主要讨论哲学的身体转向和视觉文化的转向,消费文化的需求,传播文化(消费文化和大众文化)的到来,以及后现代身体的新体验,并对身体观的发展变化分层梳理,通过对古典时期的身体形态表现的分析,阐述身体与艺术的关系,以及身体观对艺术产生的影响。在论述身体美学转向的具体路径时,以时间为线索,论述“神人同体”,逐一分析了古希腊、罗马——神和人之身、中世纪——罪孽之身、文艺复兴——人性之身、新古典主义——理性之身、现代主义——肉身之身。第二章叛逆与颠覆,论述了后现代身体的“去理性化”和“身份认同”的危机。总结和论述了后现代“身体的祛魅”、“身体的戏仿与荒诞”、“身体的去人性化”,并对经典作品进行分析,提供身体叛逆之佐证。第三章欲望的身体,分别论述何为欲望之身,通过艺术作品实例分析论述后现代“性之张扬”的特点,讨论了“文化色情观”和“裸体的色情体验特点”。此外,后现代文化的一个突出特征就是“身体消费”和大众艺术开始走向商业波普。“技术之躯”是身体消费的另一个主要特征,也就是指技术整容和对于身体的形塑建构。第四章现成品身体,论述了“身体即媒介”和“身体的自残和颠覆”,首先讨论了古典主义时期、现代主义时期、后现代主义时期身体的位置与媒介问题,着重论述三个问题:人体“活画”、“政治技术宿主”和“观念的身体”。第五章女性身体的隐喻,这里强调的是性别的身体,主要论述两个方面,一是后现代女性艺术“隐喻的身体”,二是女性艺术中“解构的身体”。二十世纪七八十年代,西方女性艺术的身体表达主要是利用“身体符号”来隐喻女性的身体来达到某种诉求。通过对奥基芙和芝加哥等几位杰出的女性艺术家的作品分析,来解读“身体的隐喻”。同期,法国哲学家雅克·德里达等人倡导的“解构主义”思潮席卷了西方学术界,一场空前盛大的解构和颠覆传统文化思想的运动拉开了序幕,深深影响到包括哲学、艺术、美学和文学等多个领域,解构主义打破“逻各斯中心主义”的思想传统,在艺术创作上不再遵循作者和作品中心论,从不同维度对艺术现状、观念定式及价值评判标准进行解构。这与女性主义艺术的价值取向不谋而合。
  本论文“后现代造型艺术的身体寓言”力图通过哲学、美学、艺术、文化等方面,分析身体在古典主义、现代主义、后现代主义三大范式转变中的发展规律和在艺术作品中的具体表现,解读后现代主义思潮中观念艺术下后现代身体的主张和意义。
[硕士论文] 余露璐
艺术学理论 东南大学 2017(学位年度)
摘要:策展已成为当代艺术生态链条中的关键一环,艺术策展的发展和策展人制度的完善是当代艺术前进的重要推动力。当前,在全球化和市场化的时代潮流中,在当代艺术繁荣发展的背景下,人们宣告“策展人时代”的到来:艺术策展人在艺术生态中的地位和作用开始得到普遍重视,艺术策展人在展览中的主导权不断强化;艺术策展的职业需求加剧,艺术策展人的队伍发展壮大。然而就当代中国艺术策展人的工作大环境和工作状态来看,其发展并不像预期中的理想,其中存在着来自主客观方面的系列问题和矛盾,并且在日渐庞大的策展人队伍中日益突出。策展人门槛降低、策展人队伍滥竽充数、策展人职业素养不足是中国当前艺术策展人存在的主要问题。同时,国内艺术策展人也受制于诸多客观因素,如艺术基金和赞助机制的不完善、艺术市场的不规范、规制法律的不健全、策展组织操作的复杂性等。这些问题对策展人的工作和生存造成很大挑战,“艺术策展人”不断遭受质疑、批评和诘问。
  面对当前存在于中国艺术策展人队伍中的种种问题和矛盾,我们有必要对其进行深入地挖掘和分析,以迎来对策展行业清楚的认知和对策展人真正的尊重。研究这些问题,则需要从策展人的生态入手。“生态”是指人在一定环境中的生存状态及人与环境的相互作用。论文对当代中国“艺术策展人”生态进行研究,一是关注艺术策展人所处的社会、行业和艺术生态环境,研究其真实的生存状态;二是研究策展人在此生态环境中的态度和作为,即他们如何主观能动地介入生态系统,进行主体生态构建。在此研究方向下,以客观地呈现中国艺术策展人的生态现状,厘清当下中国艺术策展人存在和面临的主客观方面的问题并分析其成因及利害关系,试探寻艺术策展生态的良性发展之路。
[硕士论文] 蒋怡然
艺术设计 中国美术学院 2017(学位年度)
摘要:衍生品是一种来源于商品经济的概念,后来其应用范围逐渐被拓展,在艺术品领域、市场经济的其他领域都有广泛的应用。设计产品的衍生品近年来呈现出快速增加的态势,已经成为业界关注的热点话题。我国动漫产业近些年来取得了长足的发展和进步,得益于我国国民经济发展的加速,以及动漫产业化进程的加快。在这样的背景下,动漫衍生品的设计创新就成为了十分重要的探讨课题,与动漫整体产业的可持续发展存在着千丝万缕的密切联系。本文就是以此作为研究的起点,首先阐述了动漫衍生品及设计创新的相关理论,分析了我国动漫衍生品创新设计方面存在的不足和问题,然后针对性地提出了推进动漫衍生品设计创新的思路及对策。希望借由此次的粗陋研讨,为更好的推动我国动漫衍生品产业的发展尤其是设计行业的进步,提供力所能及的帮助及支持。
[硕士论文] 曾佳
美术学(公共艺术创作与理论研究) 中国美术学院 2017(学位年度)
摘要:本文从我国残障人士社会生活现状切入,观察综合存在的问题及其背后的成因。探讨如何解决困境的过程中,引入医学心理学领域的“艺术治疗”观念,通过对残障人士艺术作品的解读,发掘残障人士的话语方式及其对于被理解的强烈渴望。提出新观点“外在引导的艺术治疗”,艺术家通过作品触摸残障人士的精神世界,以作品展现问题发人深思。从外部搭建通向残障人士的桥梁,得出艺术正作为这座桥梁的内在结构,起着重要作用的观点。
  科技改变生活,艺术同样改变生活。文章旨在提出公共艺术介入的核心观点,通过对具体作品案例的探讨分析、实地考察、问卷调研,展开剖析其所承担的责任及呈现的作用,重点突出在与公众进行沟通的功能上。再以本人为残障人士创作的作品为案例,从作品创作初衷源起,到与残障人士的交流,直至最后作品的呈现及效果,综合本人对现存公共艺术的调研成果,展开讨论公共艺术与社会关系的更多可能性,从而推导出公共艺术在残障人士社会生活中所体现出的价值——“连接性”——作为残障人士与社会沟通的桥梁这一论点。从公共艺术的本质属性“公共性”入手,通过探讨公共艺术所承担的社会责任加以论述。从其对残障人士生活的影响来探讨残障人士与公共艺术的互动关系以及公共艺术在人类日常生活中与在残障人群社会生活中所展现出的沟通性的差别与特点。
[硕士论文] 赵中蕾
设计学 青岛理工大学 2017(学位年度)
摘要:香港设计师,因受特殊生活环境的影响,其设计理念、设计风格和设计实践与内陆设计师有不同之处,20世纪的香港曾一度是亚洲设计中心,能在社会发展中培养出众多的设计人才及其优秀设计,这是有着长久以来的地域优势和历史原因的。香港设计师对于中国传统文化元素在其作品中的运用,有着深刻的认识和丰富的案例,这些设计师涵盖了如平面设计、建筑设计和室内设计等多方面,其设计作品不是单纯地模仿西方现代设计,而是较为完善地将中国传统文化元素融入其中。通过研究香港设计师的设计作品,我们可以看到,当代设计的多元化发展向我们启示,人类文化史的发展进程是一个融合创新的过程。
  本文通过简介香港地区现代设计发展的历程,香港设计师对中国传统文化元素的创新应用的研究以及具有代表性的香港设计师的作品分析,展现香港设计师将中国传统文化元素与现代设计手法相结合的方式赋予了作品时代特征和深厚的文化内涵。中国传统文化的审美与西方现代设计的理性使香港设计师们的创造汇聚成一种新的设计艺术思想——传统与现代的融合。我们要在学习西方现代设计的精华时,不断融合中国传统文化精髓,进而发展出具有鲜明特色的设计风格。本文依据中国传统文化元素的主要内涵及在香港设计师作品中的运用表现展开分析,通过对几位设计大师及其作品的剖析,寻求中国传统文化与现代设计之间的契合点,并对中国内地设计师的发展进行一些展望。
[硕士论文] 李珊珊
设计学 中国美术学院 2017(学位年度)
摘要:视觉文化时代的到来,设计中的视觉语言和元素更加的多样化和多元化,尤其是在当今的所谓的现代化媒介,电子媒介、如电脑网络、视频、高新技术等大量纷繁复杂的视觉信息充斥着人们的视觉,在这种情况下,人们渴望追求一种自然本真、朴拙、鲜活、纯净的的视觉语言——稚拙风格。它以一种最纯粹的方式去渲染一种气氛,将思维和灵感催生,紧接着延展成另一维度的纯真世界,变得有色、有形、有味。也使设计师的思维发散、抽丝拔节,灵感倍增,赋予作品灵动的生命力,稚拙风格深受人们的喜欢。
  在传统媒介向多媒体信息化时代的发展过程中,电子技术、视觉信息传播媒介、社会文化形态都推动了新的表现形式的发展,电子技术的日趋成熟,在一定程度上颠覆了设计创作的模式,稚拙风格的视觉表现力、表现手段也随之更加丰富多样。
  本文希望以稚拙风格为研究基础,从设计的角度分析和归纳稚拙风格的视觉特征与语言,并分析其在设计中的应用问题。本文对稚拙风格进行归纳和分析,从稚拙风格的所在的文化背景探究此风格的成因来源和影响,并探究它的形式语言和审美特征,结合现代图形设计准则,阐述其风格的艺术特征、表现形式、表现手段和工具等方面进行重点分析和研究,并论证稚拙风格在视觉传达设计、品牌产品设计、手工艺品设计、空间设计等方面的应用形式和优势。同时,总结出稚拙风格在设计中的价值体现。希望稚拙风格能为现代设计提供一些新的设计思路和方法,用于指导我们的设计实践。
[硕士论文] 范文英
美术学 中国美术学院 2017(学位年度)
摘要:本文从传统观念艺术到当代观念艺术的转变展开分析,论述传统观念艺术的盲区和当代观念艺术发展的转向,从而引出刘窗的艺术创作在当代观念艺术发展中“被进一步解读与接收”的可能性。刘窗的艺术创作形式并不再是一种二元对立逻辑结构,而是按照他自己的说法,是在用一种考古式的方式探寻一系列错综复杂事物中的深层逻辑,一种求真创作。会以刘窗的具体创作作品并结合一些福柯的理论思想作为辅助来论证他的作品对中国传统文化的触碰。主要论述他的四个作品,一,从《被分割的风景》是对建筑房的防护窗图案的历史的演化,论述对中国现有话语的触碰。二,《无题(舞伴)》是艺术家以一种介入式的方式引发人们对我们日常规则的思考,论述以高速公路为模型对中国传统规则系统的触碰。三,《抑花一号》是艺术家以一种社会学的方式介入的影像作品,探寻理性的界限,这是对中国传统思想的触碰。四,《爱情故事》挖掘了上世纪八,九十年代东莞作为经济特区开发的区域里的人群的一个各式情感样态,而且他的展示方式也是对中国传统语言结构本身言说方式的一种探讨,可以说这是对中国传统语言言说方式的触碰。选择以刘窗做为研究对象主要是因为他的作品中间都存在一个在中国特定时间,特定环境的一个内在逻辑和内在线索。
[博士论文] 汪建军
设计艺术学 中国美术学院 2017(学位年度)
摘要:赫尔曼·穆特休斯(1861-1927),德国建筑师、文艺批评家、建筑和设计理论家、普鲁士商业部枢密大臣、德意志制造联盟的缔造者和思想领袖。在20世纪初德国“新运动”的文化舞台上,他扮演了一个集理论的建构者、宣传者、改革者和组织者于一身的综合角色,积极推动了实用艺术改革和工艺美术教育改革。他一生撰写了超过500部/篇的著作和文章,为现代建筑和工业设计的发展奠定了理论基础。
  针对整个19世纪和20世纪初德国社会的文化乱相以及建筑与实用艺术行业的严重危机,穆特休斯提出了他的美学纲领,概括起来讲就是通过艺术风格的统一实现和谐文化。从整体策略上看,首先是通过教育让艺术工作者和社会大众重新理解生活和艺术的“本真性”,再以“务实主义”作为实用艺术创作的出发点,通过一系列进化式的发展——从“务实性”到“舒适性”、再从“(自内而外的)美化”到“精美化”,逐步实现制造行业工作的“精致化”,进而以“整体化建筑”和“型式化”作为手段,来创造德意志民族“统一的文化图像”。
  本文以穆特休斯的这一美学纲领为线索,结合其生平经历、社会实践和主要著作文章中的思想表达,以追溯19世纪末和20世纪初的德国在建筑、手工业与工业产品造型领域的革新运动包括工艺美术教育改革的思想源头,以及解读德国现代建筑和工业产品外在形式下的内在文化理想,进而尝试梳理从新运动到德意志制造联盟再到包豪斯递进式的发展关联。
[硕士论文] 黄鑫
设计艺术学 江苏大学 2017(学位年度)
摘要:艺术可以满足人类多层次的需求,艺术形式也有不同层面的功效。从信息传达的角度来看,艺术形式有自己独特的视觉传达方式,而人的视觉心理特点也在制约着艺术形式的特长和局限。因此,研究艺术形式和视觉心理问题,成了艺术研究的重要课题。艺术的形式与内容互为表里,它是在人与自然,人与社会关系中滋生的中介,是一种感性沟通的桥梁,表现形式对艺术创造的重要性勿庸置疑。
  艺术形式研究涉及多学科内容的交叉,兼有感性与理性的双重特点,艺术形式效应是综合性的、多层面的,不能把多层面的形式效应混为一谈。所以本文采用分层论的方法,将艺术形式分为直观效果、心理感受和社会内涵三个层面,重点针对平面设计的形式效应加以分层剖析,梳理形式效应的基本脉络,通过具体的案例分析和图示、图解,以求较全面地把握丰富多变的艺术形式,在研究过程中归纳总结新的经验,提出新的认识。
  对于艺术形式的分层面剖析,有利于全面认识艺术形式的不同性质和作用,结合人的感官生理、视觉心理和社会效应之间的密切关联,逐层递进地探讨不同层面的形式效应,具体解答艺术实践中的部分问题。如果脱离艺术本体来空谈观念,就会成为逻辑推理的文字游戏。对于艺术研究来说,区分多层次的形式效应,立足艺术本体,联系人与社会的多种需求,有利于理论联系艺术实际,更好地指导艺术创作和设计,可以为艺术研究提供可靠的理论依据。
[硕士论文] 何文佳
设计学 中国美术学院 2017(学位年度)
摘要:色彩作为一种客观存在,不仅仅是光照射在物体上不同光波反射后的符号,也是人对于客观事物的一种主观认识,是社会文化发展的产物,是情感的象征,有着深远的文化根源,具有在瞬间唤起视觉注意和情感共鸣的效果。
  在色彩的大家族中,金色在中国有着特殊的地位,极具文化特色。在中国人传统的观念中,黄色和红色都是极为美好的颜色,人们将金色认为由黄色变化而来,是一种辉煌的光泽色,明亮闪耀。在中国五千年文化的发展中,金色成为了历史沉淀的独特社会文化现象,象征着中华民族的独特审美情结。金色也是世界传统色彩的重要组成部分,有其特定的阶级性、时代性、民族性和象征性。同时,金色也是一种难以把控的颜色,日常设计中若没有很好地掌握金色的用度和搭配方式,就非常容易流于庸俗,它的美好与否似乎只有一线之隔。本文希望以对金色的历史溯源作为切入点,探索金色崇拜产生的原因及其精神内涵,更加透彻地了解一块颜色的本质,更理性地发掘金色的文化象征意义和色彩特质,并试着探索运用金色的色彩设计手法,力图为设计师提供一个理性的施金之道。
[硕士论文] 庞春旺
美术(公共艺术创作与理论研究) 中国美术学院 2017(学位年度)
摘要:伴随着人类社会的进步,越来越多的科技成果应用到人们的发展活动当中,虚拟现实技术便是其中之一。本文将探讨这种技术对公共艺术创作的影响以及在公共空间的呈现方式。公共艺术最重要的特性之一为“公共性”,而虚拟现实技术为这种“公共性”转化为“共享性”提供了可能,它可以使公众自由参与和互动。从而带来彻底颠覆传统的体验方式;我把它称之为:沉浸式的传播方式;这种高度沉浸的方式即应用了媒介的传播又使体验者完全忽略了媒介的存在,达到一种自我体验的沉浸状态。
  目前国内学术关于虚拟现实技术及公共艺术均有很深入的探讨总结,但是虚拟现实技术应用于公共艺术领域的边界及其要求少有探讨。本文将从虚拟现实技术在相关领域的实际应用为基础,探讨虚拟现实技术应用于公共艺术领域的边界和要求。
[硕士论文] 阮嫩妹
美术(公共艺术创作与理论研究) 中国美术学院 2017(学位年度)
摘要:论文由《内省腔》作品引发,通过对尹秀珍作品的解读,得出这位女性艺术家的创作有以下几点特征:一、不只是柔软;从尹秀珍的作品表面来看,大多数是以衣服、毛线、鞋子等,这些女性艺术家常用的材料作为艺术表现,因此很多人都会觉得她的作品停留在表现一些女性感性的情感,是柔软的。本人通过对她作品的分析之后发现并不全是这样的,她很多的作品都在表现她对环境、空间、社会的发问,提出自己感想,不是停留在柔软材料的表面。二、超越性别,尹秀珍在艺术创作中并不是以一种女性主义者的姿态进入,她注重的不是性别决定论,而是以一个人的感受与判断力去做一些有意思、强有力的作品,用作品去体现自我的价值感。三、骨子里的集体潜意识感;童年时期中国的集体主义思想对她产生了根深蒂固的影响,她的绝大多数的作品都以这个主题为中心,多数的作品都是以收集旧衣服为主要的材料,每件衣服就像一个个体,作品将个体组成一个整体,这是一种集体潜意识的表现,这样的创作手法几乎贯穿在尹秀珍整个的创作历程当中,每个时期的体会都不一样,这种“集体”感所展现出来的内容也不一样,每个时期的作品就是最好的诠释。
  通过论文可以看到一个更加全面的尹秀珍,她与传统定义的女性艺术家不一样,在作品中有她自己的性格、思想和独特的东西。
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